Iris, Turin, Teatro regio, jeudi 5 novembre 2026
Nous l’attendions depuis 1996 et les soirées romaines données au Teatro Costanzi dans la production d’Hugo de Ana : Iris, sans doute le plus grand chef-d’œuvre de Pietro Mascagni, est enfin de retour en version scénique dans une émouvante production signée Daniele Menghini avec dans le rôle-titre une fort convaincante Erika Grimaldi. Retour sur un spectacle qui marquera l’histoire du Teatro Regio.
Une humanité qui n’apprend ni de ses erreurs ni de sa misère au centre de la mise en scène
Au lever de rideau, pendant le somptueux prélude symphonique évoquant la nuit, les premières lueurs de l’aube puis les fleurs et le lever du soleil, c’est face à un monde post-atomique que nous nous retrouvons : les quelques marques d’une culture d’un Orient archaïque (tête gigantesque de Bouddha…) sont à terre, au milieu de branches d’arbres desséchées, de décombres et de gravas parmi lesquels un peuple de zombies fouille le sol à la recherche de quelques signes de son humanité perdue. On est immédiatement saisi, alors que l’orchestre avance sous une direction à la puissante poétique dont on reparlera plus loin, par une dramaturgie et des décors, signés respectivement Michele Panella et Davide Signorini, qui ancrent la mise en scène de Daniele Menghini dans l’esthétique de l’hibakujumoku – ces arbres qui, après les bombardements atomiques d’Hiroshima et Nagasaki, ont mystérieusement survécu aux radiations et ont refleuri dans un monde dévasté – dont la présence sur le plateau est évoquée par un bonsaï, unique témoignage, au milieu des troncs brulés, d’une nature toujours vivante. Notre goût pour les formes artistiques de la Giovane Scuola ne peut que nous faire songer, ici, au tableau symboliste de Giovanni Segantini, Le cattive madri (1894) – directement inspiré à l’artiste par des vers de Luigi Illica, futur librettiste de Mascagni pour Iris – et à son arbre tourmenté, tordu et ployant, semblable dans certaines de ses caractéristiques à la peinture japonaise d’un Hiroshige ou d’un Hokusaï mais que nous appréhendons soudain, grâce à la vision de cette scénographie à la sensibilité visuelle prenante, comme un symbole de végétation post-atomique.
Dans la stimulante mise en scène de Daniele Menghini, les seuls survivants de la société civile sont Iris et son père, l’aveugle. Tous les autres personnages – Osaka, Kyoto, les mousmées, les comédiens ambulants, les chiffonniers, les geishas… – portent des masques pour dissimuler leurs cicatrices et continuent d’être habités dans leurs gestes par la violence. De fait, les treillis militaires sont nombreux parmi la masse chorale, même si la magie des costumes de Nika Campisi permet avec subtilité de retrouver l’esprit de ceux signés par Adolf Hohenstein, à la création. Dans cette vision scénique, c’est bien l’instinct de domination, quand ce n’est pas la séduction, la contrainte ou la possession, qui a pris toute la place.
Avec un souci louable de dépouillement scénographique qui empêche tout bric-à-brac orientalisant, les accessoires sont rares mais toujours judicieux : outre le bonsaï du jardin d’Iris, on retrouve la poupée amie, refuge affectif à l’acte I puis double de l’héroïne à l’acte suivant, et un grand gong de laiton – réminiscence du Monde d’hier – suspendu aux branches d’arbres desséchées, qui, lors du premier chœur introductif, célèbrera le rite perdu du lever du soleil. L’eau est également un élément important de cette production : conservée pure dans l’espace constitutif du jardin d’Iris, elle alimente une sorte de cuve près de laquelle se déroule, dans la deuxième partie de l’acte I, la représentation théâtrale qui se terminera par le rapt d’Iris. A l’acte II, la maison verte du fameux quartier du Yoshiwara à Edo est, elle aussi, une relique en ruines, même si la fresque des tentacules d’une pieuvre s’étend de façon inquiétante sur l’un de ses murs. Lors de l’« aria della piovre », Iris luttera contre l’emprise d’une créature terrifiante mi-humaine mi-pieuvre, nous rappelant ici le tableau d’Hokusai connu en français sous le titre « Le rêve de la femme du pêcheur » : l’un des moments chocs d’un spectacle qui n’en manque pas, comme nous aurons encore l’occasion de le constater au moment de la scène de présentation d’Iris, geisha offerte aux regards et aux vices des hommes qui la contemplent comme la dernière fleur à cueillir. Son humiliation/lapidation – y compris par son père – puis son suicide accomplis, c’est donc une poupée à taille humaine que retrouvent, parmi les immondices, les chiffonniers du dernier acte qui, effrayés, s’enfuient en découvrant ce corps qu’ils ont déjà oublié. Place alors à l’une des plus émouvantes scènes qu’il nous ait été donnée de voir récemment dans un spectacle lyrique : alors que le thème du soleil, entendu au début de l’ouvrage, scintille de nouveau dans la partition, une fleur de tournesol éclot de la fange et de la solitude puis, descendant des cintres, se fait pluie de pétales d’or – de tournesols toujours -envahissant la scène dans les lumières somptueuses de Gianni Bertoli et apportant la transfiguration d’une prière vraie au sacrifice d’Iris.
Orchestre et chœur somptueux et distribution haut de gamme pour l’une des partitions les plus fascinantes de l’Italie Liberty
Après la version de concert madrilène chroniquée, l’an dernier, dans ces colonnes, et la fort belle réussite du festival de Radio France Montpellier, en 2016, nous attendions impatiemment de réentendre Iris en Italie ! Le Teatro Regio, si intimement lié au succès de certains des opus de Puccini (Manon Lescaut, 1893; La Bohème, 1896) se devait de revenir à Iris, œuvre dont la richesse et la modernité orchestrale comptent parmi les volets les plus fascinants d’une œuvre qui n’en manque pas ! Disons-le sans détour : il faut se projeter jusqu’à Madama Butterfly (1904), Il Tabarro (1918) et même Turandot (1926) pour entendre dans une partition italienne de telles inventions musicales, chromatismes et sonorités troublantes (du shamisen au « grand tam-tam » ou gong, des cloches de la fin de l’Inno al Sole à la fameuse sonorité du résonnateur de porcelaine adjoint au chevalet du violon, pendant le prélude du troisième acte).
A la tête des forces orchestrales et chorales du Regio chauffées à blanc, Andrea Battistoni prend un plaisir évident à faire découvrir ou redécouvrir à son public une partition qu’il adore[1], comme il le fera d’ailleurs, le lendemain, pour La Bohème de Leoncavallo : c’est, en effet, à un véritable marathon musical que se livre le directeur musical du teatro Regio en dirigeant la totalité des représentations de cet excitant festival consacré au «Vérisme » ! Dès la manière qu’à le maestro pour faire entendre, dans le preludio sinfonico, les premières phrases confiées aux contrebasses et aux violoncelles, puis aux cordes dans leur ensemble, on est plongé dans un océan sonore fait de puissance et de raffinement qui nous prend aux tripes jusqu’à la fin de la soirée. Maîtrisant parfaitement toutes les influences que Mascagni utilise dans son chef-d’œuvre – du post-wagnérisme au symbolisme en passant par un impressionnisme pré-debussyste mâtiné d’Orient, sans oublier l’influence de la musique russe, Rimski-Korsakov en tête ! – Battistoni sait mettre en évidence chaque pupitre de la phalange turinoise et est particulièrement attentif à fusionner le raffinement et le caractère rutilant de la partition, sans jamais mettre en difficulté le plateau. Il faut dire que le chef dispose avec le chœur du Teatro Regio, magnifiquement préparé par Gea Garattini Ansini, d’une formation d’une qualité vocale exceptionnelle, se déployant, tant chez les hommes que chez les femmes, dans des moments attendus tels que « l’hymne au Soleil », bien évidemment, mais également dans d’autres passages tels que le chœur féminin des musmè (acte I) ou le chœur du Yoshiwara (acte II), tous au même degré d’énergie et de poésie enthousiasmantes !
Familier de l’écoute de l’ouvrage, on s’étonne toujours de l’importance vocale et dramatique que les rôles dits « de composition » requièrent ici : ainsi, du chiffonnier du ténor livournais Didier Pieri qui emporte l’adhésion par une voix à la projection parfaite dans son éloge à la lune, au début de l’acte III, à la magnifique Dhia/Geisha (au début de l’acte II) de la soprano biélorusse Albina Tonkikh aux sonorités vocales particulièrement séduisantes et mystérieuses, comme il se doit.
De la basse Luca Tittoto, on est heureux de retenir une interprétation qui ne se réfugie jamais dans le mélodrame grandiloquent – peu à propos si l’on veut montrer le visage authentique de cette musique – mais qui fait entendre dans son monologue de l’acte I « Questo dramma è menzogna…Vieni !… Dammi il braccio ! » un legato de belle école et une voix jamais gutturale, dans un emploi où c’est malheureusement souvent le cas !
De même, un baryton de grande tradition comme l’est Roberto Frontali saisit avec beaucoup d’efficacité ce qu’il y a à retirer d’un rôle tel que Kyoto où l’absence d’air n’empêche pas le chanteur de construire une théâtralité indispensable, en particulier dans la scène des comédiens ambulants qui prélude à l’enlèvement de la jeune Iris. D’une autorité vocale qui continue à forcer le respect, Roberto Frontali dresse ici un portrait marquant d’un personnage parmi les plus vils de tout le répertoire lyrique.
De la tessiture de lirico-spinto d’Osaka, Angelo Villari dispose d’une absolue maitrise, tant dans la ligne de chant que dans la palette de couleurs qui se dégage d’un fraseggio jamais fruste. Non seulement dans le célèbre air « Apri la tua finestra », à l’acte I, mais également dans le duo de l’acte II avec l’héroïne, puis dans tout le final du même acte aux tensions vocales dangereuses, le ténor d’origine sicilienne emporte l’adhésion par une voix à la fois vaillante lorsque la partition l’exige mais, dans le même temps, non dépourvue de l’élégance indispensable à un rôle crée par Fernando de Lucia, héritier de la grande école napolitaine.
Se mesurer au rôle d’Iris est tout sauf une évidence, même pour un soprano lyrique habituée aux grands emplois pucciniens ! Nous entendions pour la première fois sur scène Erika Grimaldi, artiste piémontaise habituée de la scène du Regio. Dotée d’un ambitus vocal totalement adapté à un rôle où les variations de registre sont fréquentes et, souvent, périlleuses, la chanteuse délivre une interprétation de très haut niveau, sachant chanter bel canto ce répertoire tardo romantico ! Maîtrisant avec beaucoup d’intelligence, la poésie symboliste du texte d’Illica, Erika Grimaldi sait faire ressentir les peurs et les rêves de la petite fille qu’est Iris – encore plus jeune que Cio-Cio-San au premier acte de Madama Butterfly ! – dans son air d’entrée « Ho fatto un triste sogno pauroso », l’un des sommets de l’ouvrage. Attendu par un public qui lui réserve un triomphe, l’air de la pieuvre « Un dì, ero piccina » permet au chant inspiré et fiévreux de cette attachante interprète de ne faire qu’un avec l’orchestre d’Andrea Battistoni.
Voulu comme une transfiguration par le metteur en scène, la scène finale permet à Erika Grimaldi de varier les couleurs vocales des déchirants « Perchè ? », où la malheureuse enfant s’interroge sur sa destinée brisée pour, enfin, se libérer de son enveloppe terrestre et reposer dans la lumière, celle-là même qui aura illuminé une soirée en état de grâce.
[1] Et dont il signe, en outre, un texte particulièrement pertinent « Il sogno giapponese di Mascagni » dans le passionnant programme de salle.
Retrouvez l’interview qu’a accordée Daniele Menghini à Première Loge ici (version française) ou ici (version italienne) !
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Iris : Erika Grimaldi
L’aveugle : Luca Tittoto
Osaka : Angelo Villari
Kyoto : Roberto Frontali
Dhia /Geisha : Albina Tonkikh
Un chiffonnier : Didier Pieri
Un marchand : Leopoldo Lo Sciuto (artiste du Chœur du Teatro Regio)
Des chiffonniers : Bekir Serbest, Mattia Comandone (artistes du Chœur du Teatro Regio)
Orchestre du Teatro Regio, direction : Andrea Battistoni
Chœur du Teatro Regio, direction : Gea Garattini Ansini
Mise en scène : Daniele Menghini
Décors : Davide Signorini
Costumes : Nika Campisi
Chorégraphie : Marco Caudera
Chorégraphie des marionettes : Valeria Sacco (Riserva Canini Teatro)
Lumières : Gianni Bertoli
Dramaturgie : Michele Panella
Iris
Mélodrame en trois actes de Pietro Mascagni, livret de Luigi Illica, créé au Teatro Costanzi de Rome le 22 novembre 1898.
Turin, Teatro regio, représentation du jeudi 5 novembre 2026.
