Les festivals de l’été –
Salzbourg, Saint François d’Assise : la matière et l’invisible

Si la mise en scène construit des images pour donner forme à l’invisible, c’est pourtant de la musique que ce spectacle tire sa force la plus profonde. Maxime Pascal aborde l’immense partition de Messiaen avec lucidité, tension et, surtout, une remarquable maîtrise de ses proportions. Le paradoxe de Saint François est manifeste : à une action scénique extrêmement réduite répond un dispositif sonore gigantesque, réunissant grand orchestre, percussions, chœur et ondes Martenot. Tout l’enjeu consiste à ne pas laisser cette immensité se réduire à une simple monumentalité sonore. Pascal relève le défi en faisant respirer la partition et en rendant perceptible, derrière l’éblouissante richesse des timbres, son mouvement spirituel.

Sa lecture évite aussi bien la lourdeur que l’emphase mystique. Les grandes masses orchestrales gagnent en transparence, les couleurs émergent avec précision, tandis que les déflagrations sonores conservent une luminosité presque physique. Pascal semble prendre au pied de la lettre l’idée qu’il a lui-même formulée à propos de l’œuvre : Messiaen nous demande d’écouter « la musique de ce qui est invisible ». La disposition du chœur hors scène, qui prête sa voix au Christ sans jamais lui donner de présence physique, rend cette conception particulièrement évidente.

Les Wiener Philharmoniker livrent une prestation somptueuse. C’est avant tout la qualité des couleurs qui impressionne : la partition de Messiaen, avec ses strates sonores, ses chants d’oiseaux, ses imposantes masses de cuivres, la diversité de ses percussions et les irisations des ondes Martenot, trouve dans l’orchestre une palette d’une richesse exceptionnelle. Mais la virtuosité ne devient jamais démonstrative. Même dans les moments de plus grande densité, les différents plans sonores restent parfaitement perceptibles ; dans les passages contemplatifs, en revanche, le son semble se suspendre et dilater la perception du temps.

Extraordinaire est le moment de « L’Ange musicien ». François demande un avant-goût de la béatitude et Messiaen lui répond non par une explication, mais par le son : une beauté d’une intensité telle qu’elle en devient presque insoutenable pour le corps humain. Les ondes Martenot confèrent à la scène cette qualité surnaturelle que Pascal intègre à l’orchestre sans jamais la réduire à un effet exotique. La musique semble réellement provenir d’un ailleurs, et François en est presque anéanti.

Au centre de tout se trouve Philippe Sly, basse-baryton franco-canadien. Son François convainc précisément parce qu’il ne se présente pas comme un saint déjà accompli. Sly construit au contraire un homme en pleine transformation, exposé, vulnérable, soumis à une épreuve exténuante tant sur le plan vocal que physique. Son interprétation possède une noblesse sans rhétorique et une intensité sans complaisance. La voix doit affronter une écriture redoutable, se mesurer durant des heures à un appareil orchestral immense tout en préservant l’intelligibilité du texte et la concentration d’un personnage presque toujours tourné vers son intériorité. Sly y parvient avec autorité et générosité, mais surtout grâce à une présence scénique capable de répondre aux exigences extrêmes de Castellucci.

Dans « Les Stigmates », sa prestation atteint son point culminant : le corps de François devient littéralement le lieu où se rencontrent la violence de l’image théâtrale et la transcendance de la musique. Sly n’interprète pas la sainteté comme un état, mais comme un douloureux processus de dépouillement. C’est précisément cette dimension humaine qui rend crédible le passage final : François peut disparaître parce qu’il a progressivement renoncé à sa propre centralité.

C’est ce que Castellucci donne à voir dans la dernière partie. Après le feu, le loup et les autres signes de la Création, un troupeau de véritables moutons envahit l’espace. Il serait réducteur de n’y voir qu’une référence à l’iconographie chrétienne du Bon Pasteur. Ces moutons ne représentent pas simplement quelque chose : ce sont des corps vivants, imprévisibles, étrangers aux conventions du jeu théâtral. François meurt, mais la vie continue. Le monde ne trouve pas son accomplissement dans l’homme. Restent les animaux, la matière, le mouvement.

C’est ici que la production trouve sa conclusion la plus radicale. François n’aime pas la nature parce qu’elle est belle : il aime la Création parce qu’il a cessé de distinguer ce qui mérite d’être aimé de ce qui ne le mérite pas. Le pain et le lépreux, les oiseaux et leur chute, le loup et les moutons, la blessure et la lumière appartiennent désormais à un seul et même monde.

Castellucci donne à voir ce décentrement progressif de l’homme ; Pascal et les Wiener Philharmoniker lui confèrent une dimension sonore éblouissante ; Philippe Sly lui donne un corps. À la fin, François peut sortir de l’image. Reste la Création et, au-dessus d’elle, cette musique de l’invisible que Messiaen a poursuivie toute sa vie.

Au succès de la soirée, qui voit le public debout acclamer avec enthousiasme Pascal et Sly, contribue également une distribution vocale d’excellent niveau : Lauranne Oliva (l’Ange), Sean Panikkar (le Lépreux), Russell Braun (frère Léon), Léo Vermot-Desrosches (frère Massée), Aaron-Caey Gould (frère Élie), Willard White (frère Bernard), Marius Aron (frère Sylvestre) et Ivan Lych (frère Rufin), ces deux derniers issus du Young Singers Project.

L’immense plateau de la Felsenreitschule semble presque peiner à contenir le tout aussi imposant Konzertvereinigung Wiener Staatsopernchor et son chef, Joseph Chabroň, eux aussi chaleureusement acclamés par un public qui, au terme d’un spectacle de près de six heures, ne semble nullement éprouvé !