I Capuleti e i Montecchi, Liceu de Barcelone, mercredi 5 novembre 2026
Au Gran Teatre del Liceu de Barcelone, I Capuleti e i Montecchi nous entraîne dans les tourments des amants de Vérone. Entre la beauté des longues cantilènes de Bellini et les tensions d’une mise en scène sombre, la soirée trouve son équilibre dans un plateau vocal particulièrement convaincant. Une belle soirée de bel canto, portée par des interprètes investis et une direction musicale attentive aux nuances du drame.
Une mise en scène sombre et quelques belles images
Difficile de mettre en scène I Capuleti e i Montecchi, tant l’œuvre de Bellini repose sur une écriture musicale qui donne une place essentielle aux émotions intérieures. Pour cette reprise au Liceu, Allex Aguilera propose une lecture plutôt dépouillée, où quelques éléments de décor et des projections dessinent un univers à la fois intemporel et sombre. Sur le côté, le profil d’un château médiéval rappelle le cadre de l’histoire. Au centre, un cube placé sur une tournette dévoile un intérieur sobre, tandis qu’un espace rempli d’eau occupe l’avant-scène. Celui-ci devient parfois un miroir, où les reflets et les ondulations de lumière accompagnent les personnages. C’est notamment là que Giulietta découvre les corps des soldats victimes des affrontements entre Guelfes et Gibelins, cherchant avec effroi son Roméo. On y retrouve également la célèbre statue à Vérone de Giulietta sans tête. La production propose de belles images qui accompagne le propos sans toujours parvenir à lui donner une véritable profondeur.
Les costumes reprennent les codes du XIXe siècle, époque de la création de l’opéra. Les décors, quant à eux, évoquent davantage le Moyen Âge, ou notre époque pour le cube central. Ce mélange intemporel participe à l’idée d’un conflit familial qui traverse les siècles. Roméo, lui, alterne entre des costumes sombres et des touches de rouge, qui soulignent les différentes facettes de son personnage, entre la sphère publique et son intimité amoureuse. La mise en scène choisit également de représenter Roméo comme une femme. Ce parti pris se révèle notamment dans une projection stylisée, alors que Giulietta l’attend. On aperçoit alors dans une projection stylisée Raffaella Lupinacci se changer, avant de rejoindre son amante. Ses cheveux longs restent apparents, tandis qu’un bandage dissimule ses formes féminines. L’image souligne également la dualité du personnage, partagé entre son rôle public et son intimité amoureuse. Cette lecture féminine de Roméo donne une autre résonance à leur relation, mais reste finalement peu développée dans la dramaturgie. Elle aurait pu apporter davantage de profondeur aux tensions familiales et à l’évolution de leur histoire.
Le miroir d’eau offre quelques belles images, notamment dans la scène du tombeau où les espaces se dessinent avec davantage de poésie. La sobriété du dispositif laisse alors toute sa place à la musique et aux interprètes. Mais, dans l’ensemble, la mise en scène reste assez en retrait. Le parti pris de l’obscurité, presque nocturne, installe une atmosphère pesante sans toujours apporter une lecture particulièrement nouvelle. Le propos politique qui fait la spécificité de l’ouvrage de Bellini peine également à prendre véritablement corps. La guerre entre les deux familles est surtout évoquée par les récits des personnages et par la présence de quelques corps, plutôt que par une action scénique qui en ferait sentir les conséquences. L’histoire d’amour reste ainsi au premier plan, tandis que le contexte des affrontements entre factions demeure davantage suggéré.
Les mouvements du chœur ne sont pas toujours très heureux, même si certains cherchent à rompre la disposition assez statique des groupes. Les danseurs, notamment dans le dernier tableau du premier acte, apportent une ambiance de fête au mariage annoncé, mais leur présence paraît parfois manquer de véritable nécessité dramatique. De même, la direction d’acteurs repose souvent sur quelques gestes et déplacements, avec des entrées et des sorties parfois un peu bruyantes ou brouillonnes. On retiendra néanmoins quelques images, et notamment celle du tombeau, où la sobriété du décor fonctionne mieux. Le spectacle trouve alors une forme de justesse, en laissant la musique exprimer ce que la mise en scène ne parvient pas toujours à approfondir.
Lisette Oropesa, entre fragilité et affirmation face à Raffaella Lupinacci, un Roméo ardent et touchant
Pour les rôles principaux, Lisette Oropesa et Raffaella Lupinacci forment un duo particulièrement attachant. Toutes deux sont pleinement investies dans leurs personnages, avec une présence scénique qui donne à cette histoire d’amour une véritable intensité. Leur énergie se complète naturellement, aussi bien dans les échanges que dans les duos, où les voix trouvent une belle harmonie.
Giulietta est un personnage qui demande beaucoup à sa soprano. Amoureuse de Roméo, mais promise à Tebaldo, elle doit faire entendre ses doutes, sa tendresse et le poids d’un héritage familial dont elle ne parvient pas à se libérer. Le chant devient ici le principal moyen de faire évoluer le personnage. En cette soirée du 5 novembre, Lisette Oropesa semble plus relâchée, avec une maîtrise de ses moyens vocaux qui lui permet d’aborder la partition avec une grande liberté. Tout juste remise de son Covid et des émotions de la semaine précédente, elle donne le sentiment d’avoir retrouvé la belle aisance qu’on lui connait. Dès « Oh! quante volte », elle déploie une ligne vocale souple, avec un legato soigné et une grande facilité dans les aigus. Les ornements sont abordés avec précision, sans que la virtuosité ne prenne le dessus sur l’émotion. La Giulietta du premier acte conserve une douceur rêveuse, mais l’on perçoit déjà les inquiétudes qui la traversent. C’est surtout au deuxième acte que le personnage gagne en relief. Dans « Ah! non poss’io partire », elle affronte son père avec davantage de détermination. La supplique ne se réduit pas à une plainte : elle devient une véritable tentative de faire entendre sa volonté. La cabalette, avec ses ornements et ses notes de passage, donne à la chanteuse l’occasion de déployer toute son agilité. Les aigus sont abordés avec une belle assurance !
Cette Giulietta n’a rien d’une héroïne simplement soumise ou naïve. Elle est accablée par le poids des événements, mais cherche encore à agir sur son destin. Lisette Oropesa rend cette évolution sensible, en faisant progressivement passer le personnage de la rêverie à une forme d’affirmation. Une interprétation qui séduit autant par sa maîtrise vocale que par la manière dont elle accompagne les changements d’état d’âme.
Dans le rôle de Roméo, Raffaella Lupinacci fait ses débuts au Liceu. Le personnage, traditionnellement confié à une mezzo-soprano en travesti, offre une palette d’émotions particulièrement riche. Chef des Montecchi, Roméo est à la fois un homme de paix, un amoureux ardent et un personnage impulsif, qui passe de l’autorité à la plainte. La mezzo italienne donne à ce rôle une incarnation sincère, avec une présence qui ne manque pas d’engagement ! Il y a chez elle quelque chose d’authentique, parfois presque jusqu’au boutiste, qui rend le personnage attachant. Son Roméo semble vivre chaque étape de son parcours, de la passion à la colère, puis au désespoir. Le public peut ainsi percevoir pleinement la noblesse et l’élan du personnage. L’incarnation est totale dans la scène du tombeau. Le récitatif est abordé avec beaucoup de finesse, et « Deh! tu, bell’anima » devient une véritable lamentation. Le phrasé, la retenue et la manière de laisser la douleur s’installer donnent à cette page une émotion sincère. Romeo ne se contente plus d’être un amoureux désespéré : il devient un personnage que la perte transforme profondément. La relation avec Giulietta fonctionne particulièrement bien. Les deux interprètes partagent une énergie qui se complète, et l’on ressent leur attirance, leurs hésitations, leurs élans et leurs moments de doute. La passion donne corps à leurs personnages, jusqu’à cette issue tragique où ils finissent par se rejoindre dans la mort.
Iván Ayón Rivas, Tebaldo de belle tenue avec direction attentive de Riccardo Frizza
Iván Ayón Rivas se distingue dans le rôle de Tebaldo. Le personnage, rival de Roméo et fiancé choisi pour Giulietta, incarne l’ordre familial et la rivalité, mais il n’est pas dépourvu de sentiments. Le ténor lui donne une présence affirmée et un phrasé soigné. Les attaques sont nettes, la précision rythmique constitue un véritable atout et les aigus se montrent bien tenus. Dans les ensembles, la voix peut parfois se trouver légèrement noyée mais l’interprète conserve une belle projection et une présence solide. Son duo avec Roméo au deuxième acte est particulièrement réussi. L’affrontement prend une dimension plus personnelle lorsque Tebaldo semble avoir percé le secret de son rival. Le baiser imposé à Roméo, qui l’humilie et le met à l’épreuve, constitue un choix scénique assez étrange, mais cohérent avec la proposition de la mise en scène. Il donne au conflit une dimension physique et trouble, qui dépasse la seule rivalité amoureuse.
Dans le rôle de Capellio, Alejandro López représente l’autorité familiale et la volonté de maintenir l’ordre. Mais son incarnation reste assez monolithique. Le personnage manque de mouvement et d’expressivité, et sa présence vocale peine parfois à s’imposer face au chœur masculin. L’assise dans le grave est réelle mais elle ne suffit pas à donner toute la force dramatique attendue à cette figure paternelle. Le trait devient parfois un peu caricatural, ce qui réduit la complexité du conflit. À l’inverse, Marko Mimica est un Lorenzo convaincant. Plus discret, le personnage doit surtout faire circuler l’information et tenter d’aider Giulietta. Le chanteur apporte une présence solide, avec une belle qualité de récitatif et une intervention qui s’inscrit naturellement dans l’ensemble. C’est un rôle secondaire mais qui contribue à donner un peu d’humanité à cette histoire dominée par les affrontements.
Sous la direction de Riccardo Frizza, l’Orchestre symphonique du Gran Teatre del Liceu accompagne les chanteurs avec une attention constante. Le chef connaît le répertoire et le style bellinien, et cela se ressent dans la manière dont il laisse respirer les longues phrases, tout en préservant la fluidité de l’ensemble. La direction privilégie les nuances et les subtilités dynamiques. Les moments lyriques sont particulièrement bien accompagnés, et les interventions instrumentales apportent de belles couleurs à la partition. La clarinette et le violoncelle méritent notamment d’être salués pour la précision de leur son et leur qualité d’écoute.
Le premier acte gagne progressivement en intensité, jusqu’à un finale tendu et très réussi. Au deuxième acte, Frizza installe une atmosphère plus grave où le drame bascule vers l’absence et la perte. L’orchestre reste attentif aux besoins du plateau, sans renoncer à ses propres subtilités. Quelques passages « forte » auraient toutefois pu être davantage contenus pour certaines voix. La principale nouveauté musicale de cette reprise réside dans la restauration des passages coupés, avec le retour des cabalettes et de leurs reprises. On regrettera cependant la coupure du bref récitatif de Capellio au deuxième acte, après l’air de Giulietta. Le père y ordonne de surveiller Lorenzo, qu’il soupçonne d’aider les deux amants. Cette omission laisse en suspens la raison pour laquelle Romeo ne sera pas averti du faux empoisonnement. Le récit perd ainsi un élément de cohérence, alors qu’un simple mouvement scénique ou une indication de direction d’acteurs aurait peut-être permis de rendre cette absence plus compréhensible.
Malgré cette réserve, la soirée se déroule avec fluidité, sans longueurs. Le chœur masculin, préparé par Pablo Assante, contribue à l’équilibre des scènes collectives. L’ensemble musical demeure solide et la direction de Frizza accompagne avec brio les évolutions du drame. Portée par un duo vocal particulièrement convaincant et une direction musicale attentive, cette soirée au Liceu fait revivre la beauté du bel canto. Si la mise en scène reste parfois en retrait, Bellini nous touche par la force intemporelle du mythe de Romeo et Giulietta. De la passion aux déchirements, leurs destins continuent de nous émouvoir, bien au-delà des époques et des frontières.
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Giulietta : Lisette Oropesa
Romeo : Raffaella Lupinacci
Tebaldo : Iván Ayón Rivas
Capellio : Alejandro López
Lorenzo : Marko Mimica
Orchestre symphonique du Gran Teatre del Liceu, dir. : Riccardo Frizza
Chœur du Gran Teatre del Liceu, dir. : Pablo Assante
Mise en scène et Décors : Allex Aguilera
Costumes : Françoise Raybaud
Lumières : Luis Perdiguero
Vidéo : Arnaud Pottier
I Capuleti e i Montecchi
Tragedia lirica in due atti de Vincenzo Bellini, livret de Felice Romani, d’après Giulietta e Romeo di Luigi Scevola, créé au Teatro La Fenice, Venezia, 11 mars 1830.
Barcelone, Gran Teatre del Liceu, représentation du jeudi 5 novembre 2026.
