Verdi, LE TROUVÈRE

Contrairement à la partition du Macbeth français, très célèbre puisque c’est elle qui est toujours jouée de nos jours – mais sur le livret italien ! –, celle du Trouvère reste encore peu connue , même si le festival de Martina Franca avait remis la version française de l’œuvre à l’honneur en 1998 (le spectacle avait fait l’objet d’un CD, déjà publié chez Dynamic, qui valait surtout pour l’Azucena de Sylvie Brunet).

Pour les représentations parisiennes, Verdi a supprimé de sa partition la cabalette « Tu vedrai che amor in terra » succédant au Miserere, réorchestré 5 morceaux (notamment le duo de l’acte II entre Manrique et Azucena, tout le finale du second acte, le chœur des soldats au début du 3e acte, précédant la grande scène d’Azucena). Il a surtout bien sûr ajouté un ballet (de près de 30 minutes), assez habilement placé au début de l’acte III juste après le chœur des soldats, un air pour Azucena au 3e acte lors de sa confrontation avec Luna (« Prenez pitié de ma douleur amère »), et réécrit le finale de l’œuvre : au moment où Azucena se réveille, le fameux Miserere se fait de nouveau entendre, de même que le chant de Manrique disant adieu à la vie (sur la mélodie de « Ah, che la morte ognora »). On est en droit de préférer la conclusion violente et abrupte de l’œuvre originale, mais l’on doit admettre que cette version, subtilement agencée par le compositeur, est elle aussi parfaitement efficace. Pour le reste, sachez que l’inhabituel « Per esso morirò » (ou plutôt « Heureuse au Ciel du moins je le suivrai ») du premier air de Léonore, la version longue du chœur des soldats avec une intervention plus substantielle de Ferrando, et même la musique du ballet s’entendent dans l’étonnante version (belcantistissime !) gravée en 1976 par Richard Bonynge, avec Sutherland, Horne, Pavarotti, Wixell et Ghiaurov.

Nonobstant un ballet qui avait suscité quelques remous parmi le public (un interminable match de boxe faisant intervenir hommes et femmes d’absolument tous les âges), nous avions beaucoup aimé la mise en scène de Bob Wilson, surlignant les arêtes du drame et mettant en lumière, par son hiératisme même, l’extrême violence des relations entre les personnages.

Que reste-t- il du spectacle parmesan, privé du support de l’image ? Avant tout une magnifique direction de Roberto Abbado qui, comme pour son récent Macbeth, refuse l’esbroufe, respecte à la lettre la partition (quel choc pour des oreilles françaises et plus particulièrement parisiennes d’entendre, enfin, toutes les reprises écrites par Verdi !), et en extrait la quintessence poétique et dramatique avec un talent rare. L’orchestre le suit brillamment, le chœur un peu moins (il se montre parfois un confus et n’est pas très intelligible)…

Nous avions, sur place, trouvé la distribution tout à fait honorable. Sans l’émotion du direct ni la beauté des images, certains défauts des chanteurs apparaissent – et sont peut-être un peu grossis par le disque… Les interprètes ont tous un accent assez prononcé, et sont la plupart du temps très difficilement compréhensibles, à l’exception de Giuseppe Gipali. Nous ne pouvons que répéter ce que nous écrivions déjà à propos du Macbeth de cet automne :  le vivier de chanteurs prononçant correctement le français (qu’ils soient francophones ou non) est aujourd’hui suffisamment important pour qu’on les sollicite, notamment à l’occasion d’événements dont l’attrait principal réside justement dans l’intelligibilité du texte chanté…

C’est précisément peut-être ce texte français qui empêche Franco Vassalo de donner à entendre une ligne vocale aussi fermement dessinée qu’à l’accoutumée ; de même, Marco Spotti semble peu à l’aise en Fernand, dont l’air « De mon maître, le père avait deux fils » paraît bien brouillon. Nino Surguladze était sur scène une Azucena impressionnante. Le disque souligne malheureusement une assez grande disparité entre les registres, avec un aigu certes éclatant mais des graves qui tantôt se perdent dans les joues, tantôt sont un peu trop poitrinés.