SOLARIS, une odyssée sonore entre mémoire musicale et vertige cosmique

À l’issue du spectacle, les lumières s’éteignent en laissant l’histoire dans une forme d’énigme, après une heure de musique et de vidéo. Une heure sans temps mort, pendant laquelle l’écoute ne se relâche jamais. Profondément ancrée dans le sillage de la tradition musicale occidentale, la partition d’Othman Louati n’a rien de pédant et demeure ouverte à tous les auditeurs. Au sein de cet héritage, la musique française, notamment celle de la fin du XIXe siècle jusqu’à aujourd’hui, semble traverser l’œuvre comme une lame de fond, sans jamais se laisser clairement identifier.

La structure même de la pièce renvoie à des formes connues : un prologue situe d’abord le contexte dramatique, avant une succession de tableaux qui entraînent régulièrement des changements de situation. Consciemment ou non, l’esprit se tourne vers la tragédie lyrique ou le grand opéra. Si le prologue est entièrement chanté, le corps de l’œuvre alterne parties vocales et lectures de textes, tantôt projetées de manière classique, tantôt en mode ASMR — ce phénomène neurocognitif popularisé par les réseaux sociaux — ici réalisé par des chuchotements au plus près du micro. Pour les lyricomanes, cette alternance entre chanté et parlé évoque aussi bien l’opéra-comique que le Singspiel ou encore le Sprechgesang, dans une conception résolument moderne. Le tout reste cependant entièrement au service de la narration, textuelle et musicale.

Mais, au milieu de ces références et traditions, c’est sans doute le traitement de l’électronique qui retient le plus l’attention. Plutôt que de l’utiliser de manière continue, comme souvent dans la musique dite contemporaine, Louati la considère comme une matière sonore, un timbre parmi les autres instruments, qu’il introduit uniquement lorsqu’il le juge nécessaire et dramaturgiquement efficace. Parfois réduite à un simple son électronique, parfois déployée à travers un jeu de spatialisation des haut-parleurs, elle intervient toujours à des moments clés du récit. Le même principe s’applique à la guitare électrique et au synthétiseur. Cela introduit une nouvelle perspective dans la partition, ce qui la rend plus fraiche. Grâce à cette approche, l’espace sonore n’est presque jamais saturé de sons amplifiés et ne fatigue jamais l’oreille. L’équilibre entre les cordes (violon, alto, violoncelle), les vents (cor, flûte, clarinette), les percussions, le synthétiseur et les dispositifs d’amplification se révèle subtil et particulièrement bien pensé.