Entre larmes et éclats de rire : les deux visages de Puccini triomphent au Coliseu do Porto

La réussite de cette soirée doit enfin beaucoup au travail de Carmine De Amicis, artiste complet qui partage son activité entre le théâtre (il présentera en octobre prochain un spectacle d’après Les Hauts de Hurlevent Sala Umberto à Rome), le cinéma, la danse (on avait particulièrement apprécié la chorégraphie pleine de fantaisie qu’il avait proposée à Olivier Lepelletier-Leeds pour sa Chauve-Souris liégeoise) et l’opéra. Cette diversité d’expériences se retrouve dans une mise en scène d’une remarquable fluidité, où le théâtre naît toujours de la musique sans jamais chercher à lui imposer un discours étranger.

Avec la complicité de la scénographe Gloria Bolchini, Carmine De Amicis imagine un dispositif scénique d’une grande simplicité, mais d’une réelle efficacité dramatique. Quelques volumes géométriques suffisent à évoquer les galeries d’un cloître, l’espace étant organisé autour d’une cloison symbolique séparant le monde clos du couvent de celui, inaccessible, de la vie extérieure. Cette frontière physique devient peu à peu une frontière psychologique, matérialisant l’enfermement auquel Angelica est condamnée.

Quelques projections vidéo, utilisées avec beaucoup de retenue, viennent enrichir le propos sans jamais détourner l’attention. Tantôt elles prolongent la poésie contemplative de la partition (l’envol d’oiseaux), tantôt elles traduisent les visions hallucinées d’Angelica au moment où le poison commence à agir. La vidéo demeure ainsi un véritable outil dramatique et non un simple effet décoratif.
La scénographie évolue subtilement entre les deux ouvrages. À l’austérité presque ascétique de Suor Angelica succède, dans Gianni Schicchi, un décor envahi d’objets disparates qui créent une atmosphère volontairement désordonnée, propice à la farce. Sans jamais rompre l’unité esthétique de la soirée, ce changement d’univers accompagne naturellement le passage de la tragédie à la comédie.
Le travail sur la direction d’acteurs mérite également d’être salué. Aucun geste ne paraît laissé au hasard, aucun déplacement ne semble gratuit. Chaque personnage existe pleinement, jusque dans les rôles les plus secondaires, et l’on sent combien Carmine De Amicis attache d’importance à la vérité des relations humaines.

Mais c’est surtout par plusieurs idées dramaturgiques particulièrement fortes que cette mise en scène s’impose.

Le fils d’Angelica est vivant

La plus marquante concerne sans doute Suor Angelica. Alors que le livret laisse entendre que l’enfant est mort depuis deux ans, Carmine De Amicis choisit au contraire de le maintenir en vie. Dès la scène de la visite de la Zia Principessa, le jeune garçon apparaît silencieusement à l’extérieur du couvent. Angelica ne peut le voir, mais le public, lui, découvre sa présence. Entièrement vêtu de rouge, il devient la matérialisation permanente du péché originel de l’héroïne. Ce rouge éclatant contraste avec le blanc immaculé des religieuses et de la statue de la Vierge, tandis que la tante apparaît, elle, entièrement vêtue de noir. Trois couleurs seulement structurent ainsi tout le drame : l’innocence, la faute et la mort.
Ce choix transforme profondément la psychologie de la Zia Principessa. Dans cette lecture, elle ne se contente plus d’annoncer une mort réelle : elle ment délibérément à sa nièce afin d’obtenir sa signature. Lorsqu’Angelica hésite encore à renoncer à son héritage, la vieille aristocrate lui montre le manteau rouge de l’enfant comme une prétendue preuve de son décès.
Le personnage, déjà odieux chez Puccini, acquiert alors une dimension de cruauté presque démoniaque. Cette manipulation rend le désespoir d’Angelica encore plus insoutenable et justifie pleinement la catastrophe finale. Le dernier tableau en devient d’autant plus bouleversant. Alors que la tradition montre généralement Angelica retrouvant son fils dans une vision mystique, Carmine De Amicis choisit de réunir réellement la mère et l’enfant au moment de l’agonie. Le miracle cesse d’être une hallucination pour devenir une ultime rencontre terrestre. Sans rien enlever à la dimension spirituelle de l’œuvre, cette lecture lui confère une intensité humaine profondément émouvante.

Du cloître… à la  basse-cour !

L’idée directrice de Gianni Schicchi est tout aussi ingénieuse.
Dans les cris avides de la famille Donati, le metteur en scène entend moins des lamentations que… les caquètements d’une basse-cour ! Les héritiers deviennent ainsi une véritable volée de gallinacés occupés à picorer fébrilement les derniers biens du défunt.
Avant même les premières mesures de l’opéra, ils envahissent la scène en gloussant, avançant par petits pas nerveux, les mains prolongées par des griffes comparables à celles des poules qui accentuent encore leur animalité. La métaphore amuse immédiatement sans jamais devenir envahissante. Elle demeure suffisamment discrète pour ne pas se transformer en procédé systématique, tout en éclairant avec finesse la satire sociale imaginée par Puccini.

Deux autres trouvailles retiennent également l’attention.

Au moment où Schicchi élabore son stratagème, un immense rideau de flammes est projeté en arrière-plan. La référence est évidente : c’est dans l’Enfer de Dante que Puccini et son librettiste sont allés chercher l’anecdote de Gianni Schicchi ! Cette évocation discrète rappelle au spectateur le destin infernal promis au personnage sans interrompre le rythme de la comédie.

Plus savoureuse encore est la scène où Schicchi se fait passer pour Buoso Donati. Plutôt que de reprendre le procédé traditionnel consistant à cacher le baryton sous les draps du lit mortuaire, Carmine De Amicis imagine une solution d’un humour délicieusement macabre. Schicchi se dissimule derrière le cadavre de Donati et anime lui-même le corps inerte, manipulant bras et tête comme une gigantesque marionnette désarticulée. La scène évoque irrésistiblement l’univers de Tim Burton : drôle, grinçante, légèrement inquiétante aussi. Il faut ici saluer la prestation de Caco Lebre, irrésistible Buoso Donati, dont la souplesse transforme le cadavre en véritable poupée de chiffon. Le public ne s’y trompe pas et accueille cette séquence par de francs éclats de rire.

In fine, ce spectacle constitue une véritable carte de visite pour Carmine De Amicis. Le jeune metteur en scène démontre qu’il possède deux qualités essentielles, malheureusement devenues un peu rares dans le monde lyrique actuel : savoir raconter une histoire et faire confiance aux œuvres. Ses propositions sont personnelles, parfois audacieuses, mais elles naissent toujours du livret et de la musique. Jamais il ne cherche à imposer un concept extérieur ni à attirer l’attention sur lui-même. Son imagination enrichit les opéras qu’il met en scène au lieu de les détourner de leur sens profond.