Dans une interview accordée à la radio liégeoise RCF, Alexandra Marcellier confiait, quelques jours avant la Première, ne pas vraiment réussir à apprécier le personnage de Blanche ni sa psychologie très torturée. C’est peu dire pourtant que la jeune soprano récemment consacrée aux Victoires de la musique classique réussit le tour de force de construire un portrait fouillé, dense et crédible de cette jeune aristocrate emportée dans le vent de l’Histoire. Le hasard des programmations nous avait déjà fait entendre Alexandra Marcellier à Marseille cet hiver dans le rôle de Micaëla : les paroles de son air « Je dis que rien ne m’épouvante […] J’ai peur, mais j’ai tort d’avoir peur ! » apportent un éclairage saisissant sur la manière dont elle aborde à Liège pour la première fois le rôle principal des Dialogues des carmélites. De Blanche de La Force, la jeune Perpignanaise a en effet la silhouette de poupée fragile, les regards apeurés et le pas mal assuré. Mais elle en a surtout la voix saine et ambrée, percutante dans les aigus lorsque l’écriture de Poulenc la sollicite, et idéalement posée pour entretenir le flot des dialogues que se livrent entre-elles les religieuses. La difficulté du rôle de Blanche n’est effectivement pas dans la sollicitation de l’instrument de la chanteuse : elle tient davantage au naturel que l’artiste doit savoir trouver pour délivrer son chant sur le ton de la conversation. Alexandra Marcellier y excelle, d’une musicalité jamais prise en défaut. Il n’y a guère que sur l’articulation et l’intelligibilité du texte qu’on pourrait trouver à redire mais il ne fait aucun doute que la fréquentation de ce rôle devrait permettre à l’artiste de rapidement ajuster son phrasé à la prose de Bernanos.

Quand tant de directeurs distribuent encore Mme de Croissy à des chanteuses aux moyens vocaux dégradés, Julie Pasturaud est un choix inattendu et bienvenu pour incarner la vieille prieure. L’incarnation physique du personnage est proprement hallucinante : grimée en vieillarde cacochyme, le visage boursoufflé et les jambes couvertes de plaies variqueuses, la chanteuse compose une mère supérieure sévère et effrayante. L’humanité du personnage est en revanche bien présente dans la voix de l’artiste, notamment dans toute la longue scène d’agonie que Julie Pasturaud chante en respectant scrupuleusement les indications de la partition quand tant d’autres artistes avant elles parlent certaines répliques et ponctuent leur chant de râles d’une esthétique désuète.

Déjà repérée à Bruxelles il y a quelques semaines où elle composait une impeccable lady Clarence dans le Henry VIII de Saint-Saëns, Claire Antoine est la très bonne surprise de ce plateau essentiellement féminin : le rôle de Mme Lidoine convient idéalement à sa voix de soprano lumineux capable d’aigus somptueux comme de sons legato d’une pureté cristalline. Au milieu du deuxième acte, la première prise de parole de la nouvelle prieure offre à la chanteuse l’opportunité d’un moment de chant suspendu : quand la tradition en fait habituellement une tirade un peu naïve, Claire Antoine s’en empare avec distinction et réussit, par la clarté de sa diction, à en faire une affirmation d’autorité.

Julie Boulianne apporte elle-aussi un éclairage original sur son personnage : loin de la figure d’autorité marmoréenne qu’est souvent Mère Marie de l’Incarnation, la mezzo québécoise réussit à y mettre une humanité bienveillante grâce à la chaleur de son timbre et à la douceur de ses inflexions. La fin de la scène du parloir gagne grâce à elle en poésie et en tendresse.

Tel que Poulenc l’a écrit, le personnage de Sœur Constance s’attire toujours les bonnes grâces du public. Sheva Tehoval n’y déroge pas, qui compose une nonne délurée à la franchise rafraichissante. Figure de sororité lumineuse face à la mélancolie de Blanche, ce personnage réclame une voix claire et agile que possède incontestablement la jeune artiste bruxelloise. S’y ajoute un vrai tempérament de comédienne qu’on n’avait pas retrouvé dans ce rôle depuis Patricia Petibon.

Dans les deux rôles très courts de Mère Jeanne et de Sœur Mathilde, Valentine Lemercier et Coline Dutilleul font davantage qu’une honorable figuration : en quelques répliques bien timbrées et grâce à la direction d’actrice affutée de Marie Lambert-Le Bihan, elles réussissent à donner chair à leurs personnages et à véritablement incarner deux belles figures de religieuses.

Opéra de femmes, Dialogues des carmélites ménage cependant aussi quelques jolies pages composées pour des voix masculines.

Cantonné au premier tableau du premier acte, Patrick Bolleire trouve dans le marquis de La Force un rôle qui convient idéalement à son physique bonhomme comme à sa voix grave et sonore. Impayable dans sa robe de mamamouchi, il est un vieil aristocrate désabusé de l’existence et prisonnier de sa routine : sa sieste, sa pipe et son fauteuil sont tout son horizon et l’annonce de la clôture de sa fille est comme un grain de sable qui vient déranger ses habitudes. Vocalement, le récit de la mort de sa femme ne lui pose aucune difficulté : l’artiste s’y révèle excellent conteur, capable de notes graves mais intelligibles comme d’aigus claironnants à la fin de la réplique « une vitre vole en éclats ».

À Bogdan Volkov échoit le rôle ambigu du chevalier de La Force. Les indications scéniques de Marie Lambert en font un personnage immédiatement antipathique : peigné comme un petit marquis de Cour, vêtu d’un habit jaune Judas qui le désigne comme un être malfaisant, il malmène les domestiques et terrorise sa sœur qu’il tient dans l’étau destructeur de leur relation incestueuse. Dans un tel dispositif, la première réplique de l’opéra « Où est Blanche ? » résonne comme l’angoisse d’un pervers narcissique qui craint de voir sa proie échapper à son emprise. Vocalement, le ténor ukrainien séduit instantanément par la rondeur de son timbre, l’élégance de son chant legato et sa capacité à produire des aigus pianissimi pour ponctuer quelques répliques du duo du parloir.

La soutane élimée et le col à rabats de l’aumônier du carmel vont parfaitement à François Pardailhé dans un rôle que la mise en scène a un peu étoffé en le faisant apparaître dès le premier tableau, comme un deus ex machina qui pousse Blanche au couvent pour la faire échapper à l’emprise libidineuse de son frère. Si le comédien est parfaitement à l’aise avec ce rôle de prélat onctueux, le chanteur est un peu moins à son affaire : en ce soir de Première, la timbre du jeune ténor toulousain nous a paru un peu acide et trop léger pour donner chair à toute la complexité d’un ecclésiastique déterminé à braver la Révolution pour rester fidèle aux vœux de son ordination presbytérale.

Dans les trois rôles du geôlier, du domestique Thierry et de M. Javelinot, Kamil Ben Hsaïn Lachiri donne à voir un comédien engagé et à entendre un chanteur à l’instrument prometteur. Ce jeune baryton belge délivre notamment la sentence du dernier acte avec un aplomb certain mais la voix devra encore gagner en rondeur et en projection pour aborder des rôles plus lourds car elle a encore tendance à se perdre sous le volume de l’orchestre lorsqu’elle aborde les notes les plus graves.

Issus des chœurs de la maison, Marc Tissons, Jonathan Vork et Benoît Delvaux prêtent leurs voix pour assurer les quelques répliques de l’officier et des deux commissaires révolutionnaires. Ces rôles de comprimari permettent de mettre en lumière les qualités de chacun, et plus particulièrement Jonathan Vork qui timbre joliment son aparté « Ces paroles-là pourraient vous coûter cher ».

Les pupitres féminins des Chœurs de l’Opéra Royal de Wallonie-Liège sont sollicités dans l’ensemble des scènes où sont réunies toutes les carmélites, et plus particulièrement pendant les prières de l’Ave Maria, de l’Ave verum et du Salve regina. Dans ces pages sublimissimes qui rappellent ô combien Francis Poulenc est un compositeur majeur de musique religieuse au XX^e siècle, les chanteuses se révèlent d’une cohérence inouïe et d’une somptuosité de timbres qui s’accordent parfaitement les uns aux autres pour créer le sentiment d’une véritable vie contemplative partagée.

Le miracle de cette représentation doit enfin beaucoup à la direction musicale de Speranza Scappucci et à la pâte orchestrale des musiciens de la phalange liégeoise. C’est peu dire que la cheffe romaine est dans la fosse du théâtre royal de Wallonie comme dans son jardin : adorée du public et des musiciens dont elle a assuré la direction musicale de 2017 à 2022, elle est accueillie comme l’enfant prodigue dès son arrivée au pupitre. Le geste précis et l’œil affuté derrière une paire de lunettes qu’elle retire par coquetterie dès qu’elle repose sa baguette, elle dirige ces Dialogues d’une main caressante et ferme à la fois, quitte à précipiter quelques tempi ou à brutaliser quelques passages pour en intensifier la portée dramatique. On redécouvre alors quel musicien est Poulenc, combien sa science de l’orchestration est rigoureuse et quel fabuleux mélodiste il était ! Dans le duo du parloir, Speranza Scappucci réussit même à nous faire entendre le fil évident qui relie Puccini à Poulenc et les influences que Manon Lescaut a exercé sur la partition des Dialogues. Cordes soyeuses, vents précis et cuivres rutilants : aucun des pupitres de l’Orchestre de l’Opéra Royal de Wallonie-Liège n’a démérité et tous confirment quels talentueux instrumentistes de fosse ils sont.

À l’issue de la représentation, l’ensemble des artistes réunis au pied du rideau reçoivent une ovation nourrie de la part d’un public encore saisi par la force des images de la scène finale. À n’en pas douter, ces applaudissements ont double valeur : ils témoignent à la fois du plaisir procuré par cette Première des Dialogues des carmélites mais sont aussi un encouragement adressé à Stefano Pace à continuer son entreprise de diversification des répertoires présentés sur la scène de Liège.