Rencontre avec FRANCESCO MICHELI, le volcanique directeur du Festival Opera Donizetti de Bergame

D’autre part, elle était emblématique de nombreux aspects de mon caractère, hérité de mes parents : mon père appartenait à une famille de paysans depuis des générations, tandis que ma mère était issue d’une famille de la haute bourgeoisie. Lors des déjeuners de fête, je me retrouvais avec des familles très vivantes, humainement riches, très « théâtrales » toutes les deux ! C’était un peu comme dans le film Novecento (1900) de Bertolucci ! D’un côté une famille de tradition paysanne, franche, libre, voire brutale, avec une ironie féroce qui courait de bouche en bouche ; de l’autre un milieu raffiné, cultivé, sobre et réservé. J’ai eu la chance de pouvoir profiter d’un échantillon très varié de l’humanité dès mon plus jeune âge et d’avoir incorporé une série d’anticorps anti-bourgeois, de sorte que je me considère comme assez immunisé contre la soif de succès, l’argent et toute une série de valeurs qui sont dangereuses pour moi et qui corrodent l’intégrité et la beauté d’une personne. L’isolement m’a également laissé une grande soif de métropole, mais le caractère bergamasque, quelque peu rude et sévère, est resté en moi.

R.V. : Et quel souvenir gardez-vous de votre première mise en scène ?
F.M. : Il s’agit de Maria Stuarda, reina di Scotia, une pièce de Federico della Valle datant de 1591 mais publiée en 1628, l’une des perles de la dramaturgie italienne du XVII^e siècle. Pour moi, qui avais suivi des études classiques et avais une passion fondamentale pour l’opéra, arriver à l’école Paolo Grassi, qui est une grande école de théâtre, a constitué un véritable exploit car je n’avais aucune expérience théâtrale contrairement à mes camarades de classe, et ce fut un apprentissage très fatigant mais instructif. En troisième année, dans une forme totalement autogérée, j’ai eu le désir, après tant de Shakespeare, de Grotowski, etc., de pouvoir donner de l’espace à mon imagination : depuis le lycée, j’adorais ce texte ruisselant de joyaux baroques rhétoriques et plein d’une musicalité qui nous était propre et qui me ramenait au chef-d’oeuvre de Donizetti : mon amour pour Gaetano s’y trouvait déjà ! J’ai mis toute mon âme dans cette première création dramaturgique : la représentation a eu lieu dans une salle du Paolo Grassi avec le public disposé en cercle ; un rideau divisait le public en deux, les hommes d’un côté, les femmes de l’autre, et les actrices prenaient les spectateurs par la main et les conduisaient vers les sièges. Là, mon désir de rendre l’expérience théâtrale « globale » était déjà évident.

R.V. : Ensuite, il y a eu les années ASLICO (Associazione Lirica e Concertistica) et Reggio Emilia : que vous ont apporté ces premières expériences ?
F.M. : Je pense avoir vécu là une phase très particulière car la mise en scène d’opéra en Italie était encore une expérience aventureuse, tendant à se baser sur l’atelier d’un jeune artiste qui était l’assistant d’un grand maître et qui, au fil du temps, se faisait les dents. La rencontre avec ASLICO a été une grande opportunité pour moi : celle consistant à apprendre à être un metteur en scène,  et surtout apprendre à considérer les chanteurs comme des interprètes à part entière. Je me souviens que toutes les productions étaient caractérisées non seulement par une intense période de répétitions, mais aussi par des semaines d’ateliers dans lesquels j’avais de grands jeunes chanteurs avec lesquels j’ai eu l’occasion de tester de nouvelles voies en travaillant sur l’interprétation, sur le corps, et cela m’a fait prendre conscience de la nécessité de mettre à jour le langage de l’opéra, surtout en Italie, en ce qui concerne la dramaturgie – c’est-à-dire la capacité qu’a l’opéra de raconter des histoires même implicites, ou en tout cas de se concentrer sur la nécessité de traduire la narration du passé en une narration contemporaine. D’autre part, il était nécessaire d’actualiser la figure du chanteur d’opéra en tant qu’interprète contemporain.
Ce travail, qui est toujours en cours et qui n’a pas perdu son sens, m’a amené au fil des ans à trouver une place dans un certain nombre de structures théâtrales. L’ASLICO et Reggio Emilia m’ont donné la chance de faire mes première armes, de renouveler le langage de l’opéra et de faire mes premiers essais de direction artistique sur un projet complexe. Grâce à Daniele Abbado, de 2004 à 2008, j’ai eu un espace, le Teatro Cavallerizza, un programme, une véritable saison off au cours de laquelle j’ai pu me produire dans des ateliers stimulants pour les élèves du lycée. Nous mettions en scène des spectacles sous des formes totalement nouvelles, qui devenaient ensuite des projets télévisés pour Sky Classique. J’ai donc eu une chance très rare chez un directeur d’opéra, à savoir celle d’avoir à sa disposition un lieu d’expérimentation régulier.

R.V. : Bianco, rosso e Verdi gagne le premier prix Abbiati : est-ce la première consécration officielle ?
F.M. : Le prix Abbiati en 2011 a été une grande satisfaction car il s’agissait d’un prix pour une œuvre dramatique originale, un texte écrit par moi qui combinait différentes pages de Verdi. J’avais à ma disposition un parterre très luxueux : l’orchestre, la banda, le corps de ballet, toute l’équipe technique du Teatro Massimo de Palerme pour créer un grand spectacle pour un public jeune. Toutes mes différentes vocations – auteur, metteur en scène, organisateur… – avaient peut-être pour la première fois à leur disposition une matière première très luxueuse destinée à créer quelque chose d’important. Ce fut un spectacle très chanceux, qui a été repris de nombreuses fois et a formé la jeunesse de Palerme pendant des années.