Les festivals de l’été –
Verdi réinventé : MACBETH en visions nocturnes à Salzbourg

On connaît Philippe Jordan pour ses lectures toujours singulières, guidées par une vision très personnelle des œuvres qu’il dirige. Rien d’italien, ou plutôt rien du stéréotype italien, dans la proposition qui nous est offerte ce soir : ni distribution vocale, ni orchestre, ni tradition interprétative héritée de la péninsule. Il faut accepter de déposer ce que l’on croit savoir de Verdi, d’oublier les références accumulées au fil des écoutes, pour faire un pas de côté et se laisser surprendre. Certains choix de tempi déroutent, certains contrastes semblent déstabilisants, et pourtant, cette étrangeté, couplée à la dramaturgie fonctionne à merveille. Sous la baguette du maestro, on retrouve avec bonheur un Orchestre Philharmonique de Vienne en grande forme, habité de couleurs nocturnes. Les cordes déploient de longues vagues tendues, les bois distillent leur venin, les cuivres éclatent avec véhémence, tandis que les percussions sèches soulignent la violence et l’ombre qui imprègnent l’œuvre. Le chef met en lumière combien Macbeth marque une avancée décisive dans le langage de Verdi : loin du bel canto encore dominant dans les années 1840, l’écriture s’oriente vers une continuité dramatique plus serrée, plus théâtrale. La densité du tissu orchestral, plus compact, induit un phrasé nouveau qui engage les chanteurs et les valorise dans une tension continue. Entendre ainsi un Verdi familier devenir imprévisible, c’est un choc salutaire : une redécouverte !

Vladislav Sulimsky offre un Macbeth bouleversant, au timbre expressif et aux déchirures intérieures palpables. Son chant allie la noblesse d’une ligne impeccable, nourrie de rubatos finement ciselés, à des éclats hallucinés qui traduisent l’égarement psychologique du personnage. Le baryton biélorusse campe un roi velléitaire, souvent indécis, écrasé par le destin. Sa voix, tour à tour charnelle et rugueuse dans ses élans de colère, épouse les contrastes de la partition. Les duos du couple, traversés de pulsions hystériques, atteignent une puissance émotionnelle saisissante. Dans la scène finale, son « Mal per me che m’affidai » est un moment de vérité où resurgissent les regrets d’un homme piégé par les oracles et englouti dans une frénésie de sang. Plus tôt, son « Pietà, rispetto, amore », baigné de mélancolie, laisse transparaître la noblesse d’un monarque déchu qui finit par accepter son destin. On admire chez lui autant l’intelligence musicale que le talent d’acteur, capables de donner à sa déclamation un relief dramatique saisissant.
À ses côtés, Asmik Grigorian s’impose par une présence fascinante, conjuguant l’excellence vocale à une intensité dramatique admirable. Dès son premier air, elle révèle la détermination d’une femme de pouvoir, avec une virtuosité qui allie précision technique et engagement théâtral. Mais cette assurance se fissure lorsque, devenue reine, elle se retrouve prisonnière de son secret : le début de « La luce langue » plonge dans des abîmes de noirceur tandis que Macbeth, à ses côtés, contemple des images d’enfants absents. La soprano trouve son sommet dans la scène du somnambulisme, qu’elle aborde avec une intensité psychologique troublante : chaque geste, chaque nuance vocale rend crédible sa chute dans la folie et prépare le spectateur au suicide final. Dotée d’un registre grave glaçant, d’une agilité qui lui permet de dominer les vocalises et de pianos suspendus jusque dans l’aigu, elle embrasse toute l’ampleur de la tessiture verdienne. Une incarnation totale, où tout semble accompli.
En contrepoint, Tareq Nazmi impose un Banco d’une grande droiture. Sa voix de basse ferme, ronde et pleine de noblesse contraste avec le couple infernal. Dans son air, il déploie une émotion contenue, empreinte de peur et de tendresse, lorsqu’il conjure son fils de fuir pour survivre. Une prestation sobre mais poignante, qui éclaire la dimension humaine du rôle.
Moins convaincant apparaît Charles Castronovo, dont Macduff peine à s’imposer au sein de la soirée. Sa première intervention, lors de la découverte du cadavre de Duncan, manque d’élan dramatique. La panique et l’urgence semblent atténuées, d’autant plus que sa voix se voit souvent couverte par l’orchestre. Son grand air de douleur, face à la perte de ses enfants, souffre d’un manque de legato et de noblesse, même si le timbre demeure harmonieux et trouve une belle couleur aux côtés du Malcolm de Davide Tuscano.

Enfin, les chœurs préparés par Alan Woodbridge impressionnent d’emblée. Les sorcières, portées par un tempo d’enfer dans leur première intervention, électrisent la salle. Dans la scène d’ensemble suivant la mort de Duncan, la beauté des timbres se déploie avec une intensité saisissante. Une prestation assurément convaincante.

Cette production de Macbeth s’impose ainsi comme une redécouverte : un Verdi débarrassé des oripeaux traditionnels, rendu à sa cruauté nue, à sa poésie noire. La direction de Philippe Jordan, aussi implacable qu’inventive, sculpte un univers orchestral de clair-obscur où les voix trouvent leur juste place, entre éclat et fragilité. Portée par des incarnations bouleversantes et une mise en scène qui ose sonder les abîmes du pouvoir et de la folie, cette soirée ne laisse pas indemne : elle bouscule, dérange, fascine, et rappelle combien Macbeth demeure une œuvre brûlante, toujours prête à nous tendre le miroir de nos propres ténèbres.