Pour donner chair à cette tragédie antique, il était nécessaire de confier les rôles des Atrides à des artistes capables d’incarner autre chose que des figures marmoréennes. Dans ce sens, les interprètes d’Iphigénie et Oreste constituent un choix proche de l’idéal et une référence à l’aune de laquelle il est permis d’affirmer que la distribution de ce spectacle fera date.

Les tessitures de Julie Boulianne et de Julien Van Mellaerts ont cependant de quoi surprendre au premier abord. Alors que l’oreille du spectateur est généralement habituée à un timbre de soprano dramatique dans le rôle d’Iphigénie et à une voix très sombre pour interpréter Oreste, ces deux chanteurs offrent à entendre un joli timbre corsé de mezzo et un baryton cuivré aux teintes assez claires. Séparés par un large ambitus, les deux instruments s’accordent cependant au même diapason et il y a décidemment chez ces deux jeunes interprètes un plaisir identique et communicatif à chanter Gluck.

D’Iphigénie, Julie Boulianne a la noblesse d’accent, l’autorité des attaques et une expressivité qui font d’elle une aussi bonne diseuse que chanteuse. Les longs alexandrins du livret coulent naturellement de sa bouche et elle sait jouer de toute une palette d’émotions pour donner différentes couleurs au récit de son rêve (« Cette nuit j’ai revu le palais de mon père »), à son désespoir (« Ô toi qui prolongeas mes jours ») ou à l’introspection de ses tourments (« Ô malheureuse Iphigénie »). Dotée d’un vibrato serré qu’elle contrôle parfaitement, la chanteuse québécoise projette son instrument sans jamais donner le sentiment de forcer ni de produire des décibels inutiles, ce qui confère à sa prestation un naturel qui force l’admiration.

Moins idiomatique, Julien Van Mellaerts n’en compose pas moins un Oreste attachant : le jeune baryton néo-zélandais peine un peu à produire les sons fermés caractéristiques du chant français mais il sait y mettre un tel allant et un tel engagement dramatique qu’on est enclin à lui pardonner ces maladresses et à saluer le bel artiste qu’il est. Oreste écorché vif, l’émotion à fleur de lèvres, il délivre un deuxième acte de toute beauté : « Dieux qui me poursuivez » est chanté à pleine voix, dans l’élan du désespoir, avant qu’il n’aborde de manière plus intériorisée son air « Le calme rentre dans mon cœur». Scéniquement, Julien Van Mellaerts est au diapason des attentes de la metteuse en scène Silvia Paoli : ses talents d’acteur lui permettent d’être aussi crédible en matricide névrosé qu’en amoureux transi de son compagnon d’infortune.

Après son magnifique récital d’airs français publié chez Supraphon en 2019, Petr Nekoranec était très attendu dans sa prise de rôle de Pylade et c’est peu dire que sa performance a impressionné le public de cette Première. Aguerri sur les scènes du Théâtre national de Prague et de plusieurs maisons d’opéra allemandes, ce jeune ténor tchèque voit actuellement sa carrière prendre une dimension internationale et gagner la France où, après Toulouse, il est à présent engagé à Nancy dans un rôle de premier plan. Petr Nekoranec s’est incontestablement impliqué corps et voix dans cette production d’Iphigénie : Silvia Paoli ne s’y est pas trompée qui a réussi à le convaincre d’être presque nu sur scène pendant tout le deuxième acte sans que ni son jeu d’acteur, ni son chant, n’en soient affectés. L’artiste a pour incarner Pylade non seulement une silhouette athlétique mais surtout un timbre de ténor charnu à l’émission très dense, à mille lieux de la voix de « taille » qu’on entend fréquemment dans ce répertoire. Si la prononciation du français de Petr Nekoranec est encore un peu exotique, le chanteur comprend incontestablement chacun des mots qu’il chante, ce qui lui permet de trouver à chacune de ses interventions l’émotion juste et de traverser le troisième acte en état de grâce. Dans le duo « Et tu prétends encore que tu m’aimes », qu’il interprète parfaitement connecté à son partenaire, et plus encore dans l’air « Ah, mon ami, j’implore ta pitié », il s’avère capable de somptueux aigus filés tandis que l’acte culmine dans un « Divinités des grandes âmes » virtuose et dépouillé de tout hédonisme vocal.

Aux côtés de ce trio bien chantant, le reste de la distribution a lui aussi quelques beaux atouts à faire valoir. À Thoas, Pierre Doyen prête son timbre de baryton sonore et solidement charpenté dans les graves. Si le jeu d’acteur, roublard et libidineux, n’appelle aucun bémol, on peut toutefois regretter une interprétation vocale un peu monolithique et un personnage trop uniformément cruel. En second couteau diablement antipathique, Halidou Nombre impressionne lui aussi par l’autorité du timbre et son aisance scénique. Grace Durham et Lucie Peyramaure enfin donnent la réplique à Iphigénie et composent deux figures féminines attachantes et bien différenciées. Le beau timbre mordoré de mezzo de la première retient l’oreille et fait regretter la brièveté de ses interventions tandis que la seconde, égale sur toute la soirée, est d’abord une prêtresse dévouée avant que l’intervention de Diane, chantée du troisième balcon, ne lui permette de déployer dans l’immensité de la salle du palais Hornecker, une voix ronde aux aigus solides.

Préparé par Guillaume Fauchère, le Chœur de l’Opéra national de Lorraine assume de manière homogène les différentes parties que la partition lui réserve avec une mention spéciale pour les pupitres féminins, littéralement bouleversants dans la conclusion du deuxième acte « Contemplez ces tristes apprêts ». Lorsqu’à la fin de la représentation les chanteuses du chœur s’avancent en bordure de fosse, dénouent leurs fichus et libèrent leurs chevelures en signe d’émancipation, c’est un véritable frisson d’émotion qui parcourt la salle et fait écho au propos féministe de la mise en scène de Silvia Paoli.

À la tête d’un Orchestre de l’Opéra national de Lorraine en très grande forme, le chef français Alphonse Cemin faisait littéralement ses débuts en fosse pour une production lyrique. Remarqué il y a six ans dans la vidéo devenue virale où il accompagnait au piano, en bras de chemise et en tongs, Jakub Orlinski dans l’émission Carrefour de Lodéon, ce jeune musicien particulièrement à l’aise avec le langage gluckiste réussit à tirer de l’orchestre nancéien des sonorités baroqueuses bluffantes un mois à peine après que les mêmes instrumentistes se sont révélés excellents wagnériens dans Tristan. Le pari était pourtant risqué… Dans la grande scène de tempête qui ouvre l’opéra, le Maestro Cemin éprouve en effet quelques difficultés à bien détacher tous les plans sonores qui créent l’illusion des bourrasques, de l’orage et des éclairs mais très rapidement l’orchestre se cale sur la battue du chef et commence à déployer un épais tapis de cordes qui sonnent à l’unisson tout au long de la représentation. Parmi tous les pupitres de l’orchestre, ceux des violoncelles et des contrebasses se distinguent tout particulièrement par leur son soyeux et leur parfaite adéquation avec l’esthétique Grand Siècle de cette œuvre de Gluck. Le coup d’essai est un coup de maître : ce soir de Première, la silhouette adolescente d’Alphonse Cemin a fait une entrée remarquée dans le petit cénacle des chefs capables de ramener à la vie ces tragédies lyriques du XVIII^e siècle qui effraient parfois les spectateurs par leur (fausse) austérité et leur (prétendue) froideur marmoréenne.

Au terme de la soirée, le public de Nancy fait un accueil enthousiaste à cette Iphigénie dont il a su apprécier le minutieux travail de mise en scène et la rigueur musicologique conduite par un jeune chef inspiré. Grisé par l’enthousiasme, on se prend à espérer retrouver très vite, dans le même théâtre, Silvia Paoli, Petr Nekoranec et Alphonse Cemin. La fille du régiment de Donizetti leur irait comme un gant.