Depuis que Jean-Marie Blanchard a offert à Olivier Py l’opportunité de réaliser sur la scène nancéienne sa première mise en scène lyrique à la fin des années 1990, l’Opéra National de Lorraine s’est patiemment forgé la réputation d’une maison exigeante et, osons l’expression, avant-gardiste. Force est de reconnaître à Matthieu Dussouillez qu’il continue de creuser ce sillon et qu’il assume crânement de proposer au public lorrain des spectacles qui questionnent, font débat et ne laissent jamais indifférent.

Après un vibrionnant Barbier de Séville joué pendant les fêtes – spectacle consensuel et familial – c’est au tour de Tristan et Isolde d’être à l’affiche à Nancy quelques jours seulement après que la scène de Bastille a reprogrammé le même opus wagnérien dans la production de Peter Sellars de 2005. Quelle plus-value la scène nationale de Lorraine est-elle en mesure d’apporter face au spectacle parisien encensé par la critique depuis près de vingt ans ? Nancy n’entretient pas de grande tradition wagnérienne et si le théâtre de la place Stanislas a été inauguré en 1919 aux accents d’une fresque germanisante d’Ernest Reyer, Sigurd, les œuvres du maitre de Bayreuth n’ont jamais été très présentes dans sa programmation. De mémoire de spectateur nancéien, on a donné Lohengrin en 1994 pour la réouverture du palais Hornecker après travaux puis, au début des années 2000, sous l’impulsion du Directeur musical d’origines allemandes Sebastian Lang-Lessing, quelques titres wagnériens sont venus s’inscrire un peu plus régulièrement au répertoire de la scène nancéienne : Tannhäuser d’abord en 2002 ; Le Vaisseau fantôme en 2003 et Tristan, déjà, en 2004. Et plus rien depuis.

Après vingt ans de disette, il s’agissait donc de marquer les esprits et de monter un spectacle qui fasse date : c’est peu dire que le choix de Tristan et Isolde et du dramaturge d’origines portugaises Tiago Rodrigues sont deux atouts de chocs qui permettent à l’opéra de Lorraine de faire un retour fracassant sur le devant de l’actualité wagnérienne !

Auteur de la mise en scène de La Cerisaie créée dans la cour du palais des papes pour l’édition 2021 du festival d’Avignon, Tiago Rodrigues est connu des passionnés de théâtre pour son approche iconoclaste et fondamentalement libre des œuvres du répertoire. Pour sa première expérience à l’opéra, il ne choisit rien moins que Tristan et Isolde, partition monumentale et sublime dont il livre une interprétation rigoureusement littérale et profondément personnelle à la fois.

Devant ce monument qu’il souhaite faire descendre de son piédestal sans l’abimer, Tiago Rodrigues conçoit le projet fou de réécrire le mythe des amants éternels et de délivrer son palimpseste en même temps que l’œuvre de Richard Wagner. Pour cela, il imagine avec la complicité du décorateur Fernando Ribeiro un dispositif qui consiste à transposer l’action dans une immense bibliothèque dont les rayonnages sont, au début du spectacle, intégralement remplis de livres dont on ne distingue que les tranches blanches, soigneusement alignées.

Très vite, le spectateur découvre qu’en lieu de livres il s’agit en fait de cartons Plume sur lesquels sont imprimés les vers du poème « Amour trop amour » composé par Tiago Rodrigues pour accompagner Tristan. Tout au long du spectacle, deux comédiens danseurs sont donc chargés de sortir un par un, dans un ordre rigoureusement précis, près d’un millier de panneaux de carton et de les présenter à la lecture du spectateur sans interférer ni gêner la progression dramatique de la représentation. Conçus comme les archives d’une histoire éternelle qu’on raconte indéfiniment et qu’il faudra remiser à leur place dans la bibliothèque avant de la raconter de nouveau, les panneaux rédigés par Rodrigues se substituent à la technologie du sur-titrage et viennent appuyer le propos des chanteurs comme autrefois les écrans de dialogues entrecoupaient les scènes des films muets.

Dans les premières minutes du spectacle, la mise en place de ce dispositif déroute certains spectateurs qui sourient jaune, ricanent ou soupirent d’impatience, d’autant que le chef n’attaque le prélude du premier acte qu’au bout de longues minutes au cours desquelles les deux appariteurs plantent le décor du drame qui va se jouer sur scène, comme autrefois le chœur au début des pièces de maître Shakespeare.

Force est de le reconnaître : le procédé déroute et, dans un premier temps, monopolise l’attention du spectateur au détriment de la musique et des chanteurs. Mais rapidement la poésie de ce dispositif l’emporte sur le sentiment d’assister à une énième performance d’art contemporain. La qualité du texte de Tiago Rodrigues, d’abord, s’impose avec évidence. En renonçant à nommer les personnages (Tristan et Isolde ne sont désignés que comme l’homme et la femme triste ; le roi Marke est l’homme puissant, Melot, l’homme ambitieux…), le poème crée des archétypes et sublime l’universalité de ces passions contrariées. Tantôt oniriques ou philosophiques, les vers libres de Tiago Rodrigues savent aussi se faire humoristiques lorsqu’ils mettent en garde le spectateur contre un spectacle « chronophage » (plus de cinq heures, entractes compris) et l’absurdité d’exprimer ses sentiments « en allemand » (sic).

La réussite du pari fou de la mise en scène tient aussi à l’incroyable performance des deux archivistes qui nous relatent les passions tristes de Tristan et d’Isolde : Sofia Dias et Vítor Roriz sont sur le plateau d’un bout à l’autre du spectacle, manipulant sans aucun temps de pause des centaines de cartons Plume qu’il s’agit d’extirper des rayonnages dans un ordre rigoureusement précis. À de nombreux moments, le geste répétitif de brandir les panneaux puis de les laisser couler silencieusement à terre prend des allures de chorégraphie, d’autant que les danseurs s’efforcent d’exprimer sur leurs visages et dans leurs déplacements des émotions qui les mettent eux aussi en interaction avec la salle, faisant voler en éclats le quatrième mur qui isole habituellement le plateau des spectateurs.

Parallèlement à ce dispositif disruptif, Tiago Rodrigues propose un Tristan assez proche d’une version de concert mise en espace. Au premier acte, la grande bibliothèque aux rayonnages encore pleins symbolise le navire qui conduit Isolde vers son destin : les différents plans de rayonnages sont comme les ponts superposés d’un bateau où les personnages évoluent sans vraiment se croiser. La force de l’action y est encore renforcée par l’absence totale d’accessoire : un panneau de carton biseauté sur lequel on peut lire « épée » placé dans la main de Tristan évoque son glaive à la lame ébréchée tandis que des panneaux intitulés « philtres de mort » et « philtres d’amour » passent entre les mains de Brangäne au moment où l’amie de la femme triste donne à boire aux amants le nectar qui les lie indissolublement l’un à l’autre.

Au deuxième acte, les rayonnages dégarnis du décor ont fleuri de branchages destinés à évoquer le jardin clos où les amants se sont donné rendez-vous tandis qu’au dernier acte le rideau se lève sur une bibliothèque désormais quasiment vide. Sur le côté du plateau, l’ensemble des cartons Plume ayant servi à raconter l’histoire des amants tristes ont été amoncelés et forment un monticule au pied duquel Tristan agonise. Ces mots en vrac, symboles du chaos des passions, forment une image très forte et lorsque l’amant d’Isolde exhale son dernier soupir, les mots le recouvrent peu à peu jusqu’à le faire disparaitre, comme si l’homme triste se dissolvait dans sa propre légende et continuait à vivre à chaque fois que se répète le récit de ses amours malheureuses.

Limités à un camaïeu de bleus et de gris plus ou moins intenses, les costumes sobres de José António Tenente n’ancrent l’action dans aucune époque bien précise mais laissent au contraire le champ libre à l’imagination du spectateur. Les lumières de Rui Monteiro jouent admirablement du relief des décors et des ombres portées des grandes bibliothèques qui enserrent l’action ; l’élégance du spectacle leur doit beaucoup.