Lucrezia Borgia enfin en version scénique à l’Opéra royal de Wallonie 

Au bout de plus d’une quinzaine d’années, Lucrezia Borgia revient à Liège et gagne enfin la scène, après ce premier essai qu’avait été le glorieux concert avec June Anderson dans le rôle-titre, en juin 2009, mais dans la Salle du Forum. Dans le programme de salle, Jean-Louis Grinda, qui aborde l’ouvrage pour la première fois, dit avoir puisé son inspiration chez les maîtres de la Renaissance, afin de rendre à la scène cette part de rêve que suggère la musique de Donizetti et, en terre hugolienne, il oppose cela au réalisme du Roi s’amuse et, par association, du Rigoletto verdien. L’amour paternel ainsi confronté à l’amour maternel qu’il souhaite résumer par la rencontre avec le religieux, grâce à l’iconographie de la Nativité et de la Déposition de Croix. 

Noble propos qu’il effleure néanmoins par des panneaux ou des voiles décoratifs à mesure qu’avance sa narration. C’est ainsi que le prologue affiche six Vierges à l’Enfant du Quattrocento/Cinquecento – la séquence est tellement fugace qu’il est difficile de les reconnaître toutes, même s’il nous semble avoir aperçu le pinceau de Piero della Francesca, Pontormo et bien sûr Raphaël –, le finale de l’acte I voit ces mêmes toiles, maintenant en noir et blanc, se craqueler, l’acte II se parant de la Vierge allaitant, dite de Lucques, de Jan van Eyck, afin de nous rappeler que nous sommes bien en Belgique. Tandis que pour la mort de Gennaro, c’est la Pietà michelangelesque de Saint-Pierre qui descend des cintres, visiblement la plus célèbre, bien que le sculpteur nous ait laissé tant d’autres témoignages de son art dans ce domaine, sans doute pour certains plus adéquats à la situation dramatique. Elle a quand même l’avantage de dater de l’époque de Rodrigue Borgia.

Une image de Venise illustre le prologue, en haut d’un immense escalier (décors et lumières de Laurent Castaingt) que remonte un angelot blanc, avant de laisser la place aux réjouissances du Carnaval, des personnages masqués s’animant dans de beaux costumes noirs (Françoise Raybaud). Ils seront relayés, lors de la fête chez la princesse Negroni, par des tenues rouges, afin de signifier les deux partis, du duc et des opposants de son épouse. La longue chevelure des hommes sied tout particulièrement à la distanciation temporelle mais, puisqu’il s’agit d’un être bien à part, on aurait pu choisir d’épargner Gennaro, la rondeur du visage du chanteur ne se mariant guère à ces tignasses ébouriffées. À l’acte I, c’est Ferrare qui remplace la ville des Doges, l’œil de six portraits d’homme vigilant sur les événements, signifiant sans ambiguïté la méfiance du duc. Au dernier acte, disparaissent les grandes marches, l’angelot revenant d’abord veiller sur l’assoupissement de Gennaro, enfin sur son cadavre.