Faust version 1859 à Lille : plus intense, plus dramatique !

En co-production avec l’Opéra Comique et le Palazzetto Bru Zane, l’Opéra de Lille présente jusqu’au 22 mai Faust de Gounod, dans sa version initiale en opéra-comique de 1859, qui se déploie en un prologue et quatre actes. Mise en scène par Denis Podalydès, cette production, portée par les dialogues parlés, se distingue par une étonnante fluidité spatiale et temporelle. L’œuvre y gagne en intensité, servie par un plateau vocal francophone de très haute volée. On y entrevoit l’ambition artistique du compositeur, qui délivre ici avec cette œuvre l’un des plus beaux théâtres lyriques de tous les temps.

Le Faust entièrement chanté avec des récitatifs nous semblait si naturel que nous ne songions même plus à sa version initiale, avec des textes parlés… jusqu’à ce que le Palazzetto Bru Zane, Centre de musique romantique française, propose il y a quelques années un livre-disque qui avait ébloui l’auditeur grâce à la dramaturgie musicale inattendue de l’opéra-comique[i]. Dans la présente production, le metteur en scène et le chef d’orchestre Louis Langrée ouvrent encore plus grand la porte pour nous inviter à entrer dans le cabinet de travail — ou dans le cerveau — de Gounod, afin de dévoiler son intention première, sans la contrainte officielle de l’Opéra de Paris, autrement dit, la version grand opéra en cinq actes avec ballet de 1869. C’est comme cette porte symbolique, sans mur autour, placée au milieu de la scène, représentant le seuil que Méphistophélès franchit pour dévoiler petit à petit son secret maléfique à Faust…

La scénographie d’Éric Ruf est construite autour d’une plaque tournante, comme pour matérialiser un engrenage diabolique qui ne s’arrête jamais. La disposition circulaire fait irrésistiblement penser au cirque, impression renforcée par la présence du chœur, qui occupe souvent les gradins en spectateurs du drame. Les costumes de Christian Lacroix allient sobriété et simplicité, mais vers la fin de l’œuvre, la magie du couturier opère : la Nuit de Walpurgis livre soudain une orgie de couleurs chez les sorcières, éclairée efficacement par les lumières de Bertrand Couderc.

La puissance de cette version de 1859 est palpable surtout sur le plan musical, formidablement rendue par l’Orchestre National de Lille, absolument sublime sous la direction de Louis Langrée. Dès les premières notes du prélude, les cordes suaves et sensuelles, mais aussi profondes, résistant à la longueur de la progression harmonique, sont remarquables. Elles pourraient constituer un double musical de Marguerite résistant à la tentation de Faust, à ses sentiments profonds, presque latents. Tout au long du spectacle, les gestes du chef sont à la fois dynamiques et précis, avec ou sans baguette selon les moments. Il tire le meilleur de l’ONL, dont les musiciens semblent eux aussi ensorcelés pour révéler des facettes de l’œuvre jusqu’alors jamais montrées. Sous la direction de Mathieu Romano et Louis Gal, le chœur assure, malgré un effectif relativement restreint, un rôle collectif tantôt avec véhémence, tantôt avec délicatesse.

Sans trop spoiler, laissons les spectateurs découvrir dans cette version 1859 le trio Siebel-Wagner-Faust dans le prologue, la cabalette de Faust à la fin de l’air Salut, demeure chaste et pure dans l’acte II, la scène d’église après la mort de Valentin dans l’acte VI, et bien d’autres moments qui captivent l’oreille — autant de merveilles que nous a laissées le magicien Gounod. Le moment fort de la soirée a été, incontestablement, cette cabalette que Julien Dran a livrée avec force et raffinement. Ce passage, miraculeux, constitue, comme l’indique le chef dans le programme — et l’a encore souligné lors de nos brefs échanges après la représentation « une maestria d’orchestration toute berliozienne […], des pages exceptionnelles au théâtre ». Distingué pour son excellence dans le chant français, notamment dans le rôle de Nadir dans Les Pêcheurs de perles de Bizet à Dijon tout récemment, Julien Dran confirme ici sa réputation, avec un art constamment ciselé par l’élégance, sans jamais sacrifier la puissance. À ses côtés, Jérôme Boutillier campe un Méphistophélès cynique à souhait, dont les ricanements et les railleries procurent un plaisir théâtral indéniable. Tout au long de la soirée, le baryton fait preuve d’une solidité vocale irréprochable. Vanina Santoni, dont Première Loge vient de vanter l’excellence de l’album Par amour, incarne avec justesse la pureté et l’innocence de Marguerite. En ce soir de première, elle n’était visiblement pas au sommet de sa forme, mais elle a su contourner cette difficulté pour façonner un personnage plus pudique encore, démontrant ainsi une remarquable capacité d’adaptation.

Les seconds rôles sont tout aussi homogènes et chevronnés. On regrette que Anas Séguin ne soit pas davantage mis en avant : avec un souffle parfaitement maîtrisé et une diction idéale, son Wagner dépasse le cadre du simple rôle secondaire. Qui sait s’il n’assumera pas un jour celui de Méphistophélès ? Lionel Lhote endosse la veste du soldat en Valentin. Son timbre clair donne d’abord au personnage une naïveté presque enfantine ; mais à son retour de la guerre, sa couleur vocale s’assombrit pour devenir plus grave, plus tragique. La jeune mezzo-soprano Juliette Mey, révélation lyrique aux Victoires de la musique classique 2024 et qui vient tout juste de remporter un grand succès dans un concert Rossini aux côtés de Karine Deshayes aux Invalides, campe un Siebel rassurant, porté par la droiture de son émission et un timbre à la fois riche et léger. Enfin, Marie Lenormand, en dame Marthe, souligne avec bonheur le caractère comique de son personnage, un registre qu’elle explore avec un plaisir grandissant depuis quelques années.

Le spectacle est complété par deux comédiens, incarnant les machinistes et serviteurs de Méphistophélès, qui veillent au « bon déroulement » de son plan, ainsi que par deux danseurs intervenant aux moments clés, dans une chorégraphie de Cécile Bon, pour évoquer les prolongements de l’histoire. Les spectateurs habitués au ballet dans l’œuvre ne seront ainsi pas dépaysés, car leurs danses « remplacent » efficacement ces instants traditionnellement confiés aux corps en mouvement.

La production sera retransmise sur grand écran dans quatorze villes des Hauts-de-France, le 15 mai à 20 heures ; elle sera ensuite présentée à l’Opéra-Comique à Paris, du 21 juin au 1er juillet : ne manquez pas ce superbe spectacle !

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[i] L’œuvre avait également fait l’objet d’un superbe concert donné au TCE en juin 2020.