Le Barbier de Séville à Rome : faire de nécessité vertu, et même excellence !

Rome a inauguré sa saison d’opéra deux jours avant Milan, dans une période terriblement défavorable pour les théâtres. Mais contrairement à la Scala, l’opéra de Rome ne renonce pas à la mise en scène d’un opéra, et même de son opéra, celui qui, il y a 204 ans, au théâtre Torre Argentina a déchaîné le public (ou peut-être seulement une partie, mais extrêmement excitée !) avec ce qui dans les années à venir deviendrait une œuvre particulièrement  populaire. Le Barbier de Séville est donc programmé au Costanzi dans une version sans public qui, disons-le d’emblée, s’est avérée être une excellente surprise, le metteur en scène Mario Martone faisant de nécessité vertu en proposant une solution théâtralement brillante.

L’ensemble du théâtre – scène, loges, coulisses, passages de service… – tout devient espace scénique, un décor absolument adapté à la vivacité des personnages et à la présence physique des interprètes. Le seul élément ajouté est une forêt de cordes courant d’un endroit à l’autre, semblant engloutir d’une part le plateau, dans une toile d’araignée qui emprisonne Rosine (« La malheureuse Rosina est prête à tout pour briser ses chaînes… ») quand nous sommes dans la maison de Don Bartolo, mais aussi le théâtre lui-même, prisonnier de cette pandémie. Les cordes seront coupées à la fin dans un geste libérateur, bienveillant et plein d’émotion, effectué par tous les participants, chanteurs, musiciens, techniciens et assistants de scène : on ne saurait mieux signifier, après une période douloureuse, une prochaine libération par l’art !

Tout devient théâtre dans la mise en scène de Martone : la « scarlatine » de Don Basilio (laquelle oblige tout le monde à remettre son masque pendant que Gatti, du podium, prend la température du chanteur avec un « thermoscan »…) ou la pulvérisation de désinfectant sur les toiles cirées par Figaro et Almaviva. Certains moments se teintent parfois d’une pointe d’amertume ironique, comme lorsque Fiorello regarde le théâtre désert : ses paroles « Tout est calme… Personne qui puisse troubler nos chants » prennent alors une signification assez triste… La scène de l’orage est exemplaire : elle est réalisée de façon magistrale, le déchaînement des éléments reflétant l’humeur de Rosina, seule et perdue dans l’immense plateau, tandis que les caméras captent les « bruits » de pluie, de vent, de tonnerre effectués sur des machines qui n’ont guère changé depuis le début des premières représentations théâtrales : dans l’orchestre, les instruments subliment en musique les bruits de la nature.

Un peu plus tôt, nous avons vu les couturières effectuer des changements de costumes à vue : dans la mise en scène de Martone, la réalité et fiction, le théâtre et le cinéma (la vidéo d’une course de motos, des films en noir et blanc), le passé historique et notre présent s’entremêlent joyeusement. Les beaux costumes d’Anna Biagiotti, qui revisitent les costumes d’époque, les lumières de Pasquale Mari, tout contribue à créer un spectacle visuellement harmonieux, trahissant à tout moment un amour irréductible pour le théâtre sous tous ses aspects. Martone conçoit par ailleurs sa mise en scène théâtrale en fonction de la réalisation télévisée, qu’il effectue lui-même : le résultat est impeccable et passionnant.