Genova : Un CORSARO a vele spiegate

L’allestimento, coordinato da Lamberto Puggelli, ci porta al largo e gioca su alcuni elementi chiave: alberi da nave, scale, corde e soprattutto vele. Questi sono i leitmotiv visivi che, deviati, modificati e illuminati in una continua riconfigurazione dello spazio scenico, rappresentano a volte una nave, a volte un palazzo, a volte una prigione. Questo approccio potrebbe essere criticato per la sua semplicità, ma a parte alcune soluzioni un po’ ripetitive (le vele che si piegano e si dispiegano), lo spettacolo è efficace e la maestria delle scenografie, unita ai costumi d’epoca, conferisce alla pièce un fascino archeologico: ci si potrebbe quasi immaginare alla prima del 1848! In effetti, l’unica incursione “tecnologica”, la proiezione di una barca sul fondale diventato schermo, è piuttosto kitsch, mentre alcune innovazioni puramente sceniche convincono proprio per la loro semplicità: le corde verticali che rappresentano le sbarre della prigione di Corrado (che ricordano l’allestimento scenico del Trovatore di Àlex Ollé all’Opéra-Bastille), che diventano una tempesta grazie a un semplice movimento e alle luci, o la scala finale che scompare nei soffitti dell’opera, e con essa Corrado, grazie al gioco prestidigitatorio del sipario/vela.

Come spesso accade, però, sul coro femminile pesano le (poche) debolezze della messa in scena e della direzione degli attori: la scena dell’harem non è delle più riuscite, a causa dei costumi “orientali” dai colori sgargianti e delle pose stereotipate e lascive richieste alle coriste, che peraltro stonano del tutto con l’atteggiamento combattivo e quasi bellicoso di Gulnara, creando una sorta di antitesi visiva. Nonostante ciò, la messa in scena riesce anche ad alternare lo spettacolare (i combattimenti con le spade) e l’intimo, l’epico e il contemplativo: particolarmente riuscite sono la scena del primo atto, che mostra Medora circondata dai suoi quattro seguaci, e quella finale, in cui il coro, seduto di spalle al pubblico, diventa anche spettatore dell’epilogo. È una proposta onesta ed efficace, che non cerca di far dire all’opera ciò che non dice.

Il libretto di Francesco Maria Piave non è di qualità eccezionale e, come ne I due Foscari (scusate il sacrilegio), soffre di alcune lunghezze insopportabili. Nelle due scene speculari del I° atto tra Corrado e Medora e del III° atto tra Corrado e Gulnara, la ripetizione è tale da far gridare il pubblico alla pietà.

La piacevole sorpresa della serata è stata la musica: quest’opera disprezzata dello stesso Verdi, raramente eseguita, ha in realtà alcuni momenti musicali molto belli! Le melodie sono ispirate e le idee orchestrali sono varie, solistiche e talvolta originali. Citiamo solo l’accompagnamento terzinato degli archi all’inizio del primo duetto tra Corrado e Medora, il contrappunto dei fiati sotto la superba cavatina di Gulnara all’inizio del II atto, la parte corale accompagnata da pizzicati e dalla melodia del clarinetto nel finale del II atto, e l’ostinato degli archi che sostiene l’assolo di viola e violoncello che prepara la scena della prigione nel III° atto. La partitura è ben servita dal direttore Renato Palumbo, che ne esalta le qualità, distinguendo i registri che contribuiscono a caratterizzare le atmosfere e i personaggi, e permettendo all’orchestra di impegnarsi appieno con il lirismo del pezzo, individualmente e collettivamente. 

Per il ruolo di Corrado si è optato per una scommessa sicura, il tenore locale Francesco Meli, recentemente nominato Direttore Artistico dell’Accademia Lirica e insignito della Croce di San Giorgio (onorificenza della Regione Liguria). Porta il ruolo del corsaro con passione, impeccabile nell’omogeneità della voce, nella purezza delle linee melodiche, nella tensione drammatica e nelle qualità interpretative. Di fronte a lui – e questo è senza dubbio il duetto più complesso e interessante dell’opera – il soprano Olga Maslova è una Gulnara impressionante, tanto per la qualità e la potenza vocale quanto per l’intensità della recitazione drammatica. La sua superba cavatina all’inizio del secondo atto, ariosa e offensiva al tempo stesso, ha suscitato applausi fragorosi. Irina Lungu nel ruolo di Medora è stata un po’ meno convincente dal punto di vista vocale, a causa di un ampio vibrato e di alcune note acide nel registro superiore nel I° atto, ma ha interpretato un personaggio difficile con grande sicurezza. Il Seid del baritono Mario Cassi, invece, manca di naturalezza, e l’articolazione è perfettibile, ma la voce è molto bella, la grana rotonda e le melodie sublimi.

La prova che il Corsaro, servito da artiggiani e artisti di alta qualità, ha il suo posto sul palcoscenico dell’opera e merita nuove interpretazioni.