SIMON BOCCANEGRA en version originelle à Parme

Les occasions d’entendre la version originelle de Simon Boccanegra sont trop rares pour ne pas se réjouir de sa programmation au Festival Verdi de Parme. L’intérêt est bien sûr musicologique : cela permet de mesurer le travail accompli par le compositeur pour aboutir à une œuvre plus resserrée et plus forte dramatiquement, et d’apprécier comment il a dépouillé la partition de ses oripeaux néo-belcantistes qui la revêtaient encore en 1857 pour lui donner les couleurs plus sombres et plus poignantes des œuvres de la vieillesse (la version révisée de Boccanegra est créée en 1881 à la Scala). Mais l’œuvre originelle, créée à la Fenice, s’apprécie également pour elle-même, et c’est peut-être là la principale leçon à retenir : bien sûr, la version remaniée comporte des beautés saisissantes et a se montre sur bien des points très supérieure à l’original : en 1857, l’introduction de l’air d’Amelia est dépourvue de ces raffinements impressionnistes qui la caractériseront quelque vingt-cinq ans plus tard ; la ligne mélodique de « Figlia !… a tal nome palpito » n’a pas encore l’épure bouleversante qui fait de ce duo l’un des plus émouvants jamais composés par Verdi ; et surtout, le finale du premier acte est assez plat : il commence par une scène de fête qui ne compte pas parmi les plus inspirées du musicien, et l’appel à la justice qui clôt l’acte (« Giustizia, giustizia tremenda ») est plus bruyant que réellement impressionnant et n’approche pas, même de loin, la puissance dramatique qui émanera de ce même finale dans la version de 1881. Mais l’œuvre revêt sans aucun doute une plus grande unité stylistique : très éloignée des fulgurances novatrices que l’on entend dans Otello – et dans la version révisée –, elle reste tributaire de l’esthétique des années 1850, qui exige encore la présence de cabalettes (Amélia en chante une après son « Come in quest’ora bruna »), de reprises (telle celle du duo « Si, si dell’ara il giubilo »), de codas brillantes,… Bref, on est très souvent bien plus proche du Trovatore  ou de La Traviata (1853) que d’Aida ou d’Otello. Le second couplet de l’air d’Amelia bénéficie d’ailleurs d’un accompagnement à la clarinette qui rappelle vraiment de très près celui du « A quell’amor ch’è palpito » dans le « Ah fors’è lui » de Violetta ! Et pourtant, au-delà des codes esthétiques imposés par l’époque, l’œuvre présente, dès 1857, une vraie originalité, ne serait-ce que dans la noirceur qui la caractérise déjà, la peinture psychologique  extrêmement fine des personnage – et notamment du héros éponyme, privé de véritable aria mais chantant déjà son splendide hommage à la mer au début du troisième acte, ou encore les dernières mesures du finale, qui font s’éteindre l’œuvre pianissimo…