Après un prélude permettant à la vidéographie du très talentueux Paulo Correia – quasi omni-présente dans ce spectacle – de plonger le spectateur dans l’enfer du déluge de feu et de boue des lieux des combats de la Première Guerre mondiale, le rideau se lève sur un impressionnant décor, signé Jean-Pierre Laporte, reproduisant en fond de scène une usine et ses machines modernes et, au premier plan, une perspective de corons aux briques sombres, tels que l’on pouvait en trouver dans les grandes villes minières d’Europe : du plus bel effet scénique, ce qu’il nous paraît indispensable de souligner à une époque où l’importance du décor d’opéra est souvent reléguée au second plan !

Représentation symbolique de la force de travail dont – compte tenu du conflit et de la place rendue soudain libre par l’absence des hommes – se sont emparées des communautés de femmes devenues autonomes, l’usine fonctionne ici de façon identique à l’antre des sorcières, au milieu de la bruyère, dans l’original shakespearien et son adaptation pour l’opéra dans le livret de Francesco Maria Piave : c’est un lieu que Banquo et Macbeth, revenus de la guerre, ne parviennent plus à reconnaître et qui, pourtant, comme pour beaucoup d’autres hommes, leur a été autrefois familier. De fait, il nous a paru scéniquement cohérent de montrer que les hommes, de retour du front, essaient de se réapproprier ce lieu, soit par la séduction (les deux personnages masculins tentent d’emblée de conquérir physiquement certaines de ces mystérieuses créatures), soit par la force, ce qui donnera lieu, sur la musique du ballet à l’acte III, à une scène muette très réussie où des hommes armés pénètrent dans les groupes d’habitation pour s’emparer des outils de travail, farouchement défendus par leurs opposantes, et finiront par être chassés de l’usine, le contremaître avec eux !

Tant chez Shakespeare que dans la partition de Verdi, la lutte pour le pouvoir est primordiale dans Macbeth : le propos scénique qui nous est présenté ici, loin de l’oblitérer, la fait ainsi passer de l’ordre du particulier – en montrant combien Lady Macbeth a su, en l’absence de son époux, s’emparer de ses rênes – à l’ordre du général, que la transposition dans le monde de l’entre-deux guerres permet de mieux rendre explicite. À plusieurs occasions, la référence à la série télévisée britannique sur le gang des Peaky Blinders nous traverse l’esprit…

Si le fantastique et le côté lugubre, autres passages obligés de l’ouvrage, sont loin d’être absents de cette production, avec en particulier une présence régulière de la pluie et une belle palette de couleurs entre le noir, le gris et le bordeaux, on le doit de nouveau au mapping vidéo nous permettant, enfin, par de magnifiques projections de style troubadour – les influences de la série Game of Thrones ! – de voir défiler la lignée de Banquo, dans la scène des apparitions, sans pouffer de rire !

Si les ensembles réussissent plutôt à Daniel Benoin – on pourrait d’ailleurs y ajouter la scène du banquet à l’acte II conférant, dans un salon de style art déco et par la beauté des costumes « Années folles » conçus par Nathalie Bérard-Benoin, une ambiance décadente bienvenue -, on est moins séduit par la manière dont le metteur en scène expose la folie des personnages et, en particulier, celle du principal d’entre eux que l’on a connu plus inquiétant dans nos souvenirs scéniques… mais, après tout, n’est-ce pas là un parti pris visant à le montrer dans son a-moralité et l’effrayante banalité de ses crimes ? Macbeth, pour lequel la vie ne signifie rien, pourra mourir en dictateur, livré à la haine de son peuple. Plus intéressante dans sa conception scénique, sa Lady apparaît bien comme étant cette femme de poigne (elle n’hésite pas à gifler son mari lors de son délire pendant le banquet !) qui a sans doute elle aussi profité de la période du conflit pour découvrir sa sexualité et son goût effréné du pouvoir.