Les festivals de l’été –
Salzbourg, Le Voyage à Reims : entre Rossini et les Marx Brothers, le parcours irrésistible de Barrie Kosky

Barrie Kosky s’empare de ce matériau d’une grande fluidité et le transforme résolument en farce. Après tout, comme il l’explique lui-même, il considère Il viaggio a Reims avant tout comme « une célébration du génie musical et comique de Rossini » et cherche à traduire les phrases, les rythmes et les harmonies en « physicalité et en humour » : mettre en scène la musique, en somme, plutôt que de surcharger les personnages d’une psychologie qui leur fait défaut. Son univers revendiqué s’étend de Feydeau aux Marx Brothers, de Buster Keaton à Jacques Tati, du vaudeville au cabaret en passant par les dessins animés.

Kosky transforme ainsi l’hôtel Golden Lily en un gigantesque mécanisme burlesque, une machine comique lancée à toute vitesse. Portes qui claquent, courses-poursuites, collisions, étreintes clandestines, déguisements, danseurs travestis : la scène semble constamment sur le point d’exploser.

L’idée la plus frappante, cependant, est méta-théâtrale. Charles X, destinataire historique de l’hommage, est courtoisement escorté jusqu’à la sortie, et à sa place apparaît une autre souveraine : Cecilia Bartoli. Le voyage vers Reims se transforme alors en une expédition exubérante pour célébrer l’anniversaire de « Ceci », « la plus grande chanteuse du monde ». Même l’apothéose monarchique finale est réinterprétée comme une célébration de la musique, de la joie et de l’amour. C’est une parodie programmatique et autoréférentielle, parfaitement intégrée à l’esprit festif de l’événement.

Kosky possède un talent formidable pour organiser le désordre. Ce qui semble être le chaos est chorégraphié dans les moindres détails. Chaque porte, chaque chute, chaque regard, chaque passage obéit à une géométrie stricte, à tel point que le jeu des acteurs devient presque une seconde partition superposée à celle de l’orchestre. Les personnages sont définis par des tics qui frôlent la caricature : la comtesse de Folleville est une névrosée, prête à basculer de la joie au désespoir ; Melibea est une dominatrice à la sensualité fétichiste ; Don Profondo flirte avec le  fantasme du bondage ; Don Prudenzio titube dans une ivresse quasi permanente ; Madame Cortese est hantée par une forme de sanglot qui devient un élément musical.

Les décors très fonctionnels de Rufus Didwiszus, les costumes imaginatifs de Victoria Behr et les lumières de Franck Evin contribuent à cette effervescence. Le côté kitsch du spectacle est particulièrement réussi : plumes, poses de meneuses de revue, clins d’œil, corps et genres joués avec une artificialité amusante. C’est un théâtre qui ne prétend jamais être la réalité et qui puise son énergie précisément dans l’exhibition de son propre artifice.

Le risque, s’il y en a un, c’est l’hypertrophie. Kosky veut toujours que quelque chose se passe, et parfois la scène ne peut rester silencieuse alors que Rossini l’exige. L’aria de Lord Sidney en est emblématique, précédée d’une des interventions les plus poétiques de Rossini à la flûte : une parenthèse où le temps devrait s’arrêter, mais qui ici peine à échapper à la frénésie ambiante. La mise en scène est formidable lorsqu’elle accompagne l’accélération de Rossini ; moins convaincante lorsqu’elle craint le vide et remplit même les interstices. Car Rossini n’est pas que vitesse : sous le champagne, par moments, émerge une mélancolie qui aspire au silence.